Director de arte

Enrique Hernández Nava

Cuidado de la edición

Amadís Ross González y Carlos Martínez Gordillo

Diseño de portada e interiores

Yolanda Pérez Sandoval

Producción digital ePub

Tlaoli Ramírez

José Luis Rojo

Título original: Videoarte en México. Artistas nacionales y residentes

© Adriana Zapett Tapia, Rubí Aguilar Cancino

Primera edición digital: 2014

ISSN: en trámite

D. R. © Instituto Nacional de Bellas Artes y Literatura

Reforma y Campo Marte s/n. Col. Chapultepec Polanco

Del. Miguel Hidalgo. C. P. 11560, México, D. F.

Todos los derechos reservados. Queda prohibida la reproducción parcial o total de esta obra por cualquier medio o procedimiento, comprendidos la reprografía, el tratamiento informático, la grabación, sin la previa autorización por escrito del Instituto Nacional de Bellas artes.

Producido en México / Produced in Mexico

Como un reconocimiento al maestro Carlos-Blas Galindo, quien desde diferentes facetas se ha interesado por el trabajo formal y expresivo desarrollado con medios electrónicos y digitales.

ÍNDICE

Introducción

• Heurística del videoarte mexicano

• Estética digital

Pioneros del videoarte

• Décadas de 1960 y 1970

• En el mundo

• Nam June Paik

• En México

• Pola Weiss

• Ulises Carrión

Videoastas de la década de 1980

• En México

• Andrea Di Castro

• Rafael Corkidi

• César Lizárraga

• Sarah Minter

• Alberto Roblest

• Gregorio Rocha

Videoastas de la década de 1990

• En México

• Francis Alÿs

• Antonio Arango

• Manolo Arriola

• Artemio

• Eusebio Bañuelos

• Miguel Calderón

• Héctor Domenico Capello

• Arcángel Constantini

• Minerva Cuevas

• Ximena Cuevas

• Juan José Díaz Infante

• Iván Edeza

• Héctor Falcón

• Claudia Fernández

• José Luis García Nava

• Verena Grimm

• Silvia Gruner

• Enrique Jezik

• Fernando Llanos

• Ricardo Nicolayevsky

• Yoshua Okón

• Héctor Pacheco

• Grace Quintanilla

• Alfredo Salomón

• Teresa Serrano

• Raymundo Sesma

• Santiago Sierra

• Alejandro Valle

• Otros realizadores

Videoastas del siglo XXI

• En México

• Carlos Amorales

• Marie-Christine Camus Joly

• Alex Dorfsman

• Mónica Dower

• Alejandra Echeverría Valverde

• Carolina Esparragoza Palacios

• Paulina del Paso

• Amaranta Sánchez Mejía

• Sharon Toribio

• Luis Emilio Valdés Rodríguez

• Bruno Varela

Conclusión

Bibliografía

INTRODUCCIÓN

Heurística del videoarte mexicano

El artista al crear lo efímero, desmaterializar el arte o tornarlo puro concepto, plantea una semiótica de lo inexistente. Sin embargo, transitamos a lo permanente del registro para analizar, narrar y rememorar esta producción estética. Documentar un arte puramente representacional como lo es el videoarte, constituye una actividad cartográfica compleja. La documentación es la obra en video o ya digitalizada, propuestas procesuales concebidas para ser documentadas; conforma lenguajes híbridos cuando se integra a diferentes expresiones artísticas como soporte o como parte de la misma, y es la fuente escrita que se genera en torno a la difusión, a la crítica y a los estudios teóricos.

A casi cinco décadas desde su génesis y hasta su presencia totalmente legitimada en espacios artísticos nacionales e internacionales, se le sigue cuestionando como una amalgama de lenguajes artísticos. En este sentido, José Luis Brea considera al videoarte como un género subsidiario de otros. [1] Surgió como parte de las propuestas de desmaterialización en la

década de 1960, del tránsito de la obra objetual a la procesual y conceptual; el videoarte retoma elementos del lenguaje de las artes plásticas y del cine, principalmente. Además, asimila aspectos de las conocidas como vanguardias históricas, neodadaístas y de las propuestas conceptuales y ambientales.

El video como instrumento de creación se une también a diversas expresiones artísticas como los performances, los happenings, las instalaciones y las esculturas, entre otras. Una de sus influencias más importantes es la transgresora tendencia Fluxus, cuya principal directriz fue reintegrar lo estético a la vida cotidiana.

Aun cuando en sus orígenes comparte la misma tecnología que la televisión, el videoarte se desplaza del campo de la comunicación masiva hacia lo simbólico. De hecho, este tipo de producción artística ha generado una amplia reflexión sobre los comportamientos y actitudes de las sociedades capitalistas posindustriales. Desde el llamado video de creación, en que se cuestionó a la sociedad de consumo y del espectáculo, así como al influjo determinante de la televisión, hasta el actual video digital en el que los efectos de esta alta tecnología han afectado al sujeto contemporáneo, el artista electrónico ha cuestionado en distintos momentos a la tecnología con la propia tecnología.

Por otra parte, desde el punto de vista heurístico nos interesa, además de documentar las prácticas videográficas, establecer analogías en estas imágenes visualizables que marcan enfoques subjetivos, intimistas, eróticos, políticos, entre otros, en las distintas trayectorias de los videoastas.

El ir y venir de los artistas de su país de origen hacia otros ámbitos culturales es parte de este mundo globalizado que plantea constantemente la problemática de la identidad y las identificaciones. Por ello incluimos tanto a los videoastas mexicanos como a los extranjeros que residen en México, pues en su conjunto muestran la complejidad del videoarte contemporáneo; por lo cual, nos abocamos más al material generado en video desde propuestas de registro de acciones hasta la producción conceptualizada a partir del propio medio y no sólo en función del perfil de un tipo de artista. Esperamos que esta aproximación coadyuve a pensar el campo estético que esta producción está generando.

Estética digital

Entre los campos de representación de nuestro tiempo, en la producción de experiencias estéticas y de ambientes, en las formas de significar, en las alteraciones espacio-temporales y perceptivas que en el arte electrónico son evidentes, cabe destacar la importancia de la sociedad organizada digitalmente y la concepción del espacio en las propuestas instalativas. Por consiguiente, toda esta complejidad fenomenológica y semiótica ha modificado nuestra experiencia de verdad y de realidad.

En el videoarte, al fusionarse con los sistemas computacionales, nos damos cuenta, al analizar el proceso de producción de un video, que hay toda una sintaxis y un diseño de aquello que se transmite en la pantalla. En el video digital los procedimientos se tornan más complejos conforme se utilizan los diferentes recursos del medio para generar experiencias estéticas interactivas, manipulación de imágenes mediante efectos y la construcción de un discurso bajo el régimen de la instantaneidad que posibilita la computadora. A través de la superficie bidimensional de la pantalla ingresamos en el videoarte a la tridimensionalidad, a la imagen en movimiento y a la simbolización del tiempo con los avanzados recursos de la gramática cinematográfica.

En la redefinición del videoarte actual con las nuevas formas digitales nos vinculamos, en primer término, como lógica de comprensión del tiempo, a la no linealidad y a la simultaneidad de los acontecimientos y, por otra parte, a nuevos conceptos de espacio afectado por la representación holográfica, la fractalidad, la teoría del caos y el indeterminismo y variabilidad que nos imponen ámbitos y formas de vida en lo fragmentable.

Lo anterior nos coloca ante el campo epistémico del video al irlo delimitando con todas las variaciones e interrelaciones que actualmente estamos presenciando en los procesos digitales. Aunque nació a fines de la modernidad, el videoarte tiene todas las características de lo postmoderno.

Asimismo, cabe destacar la importante labor realizada por los curadores de video y arte electrónico: Elías Levín, Guillermo Santamarina, Edgardo Ganado Kim, Iván Edeza, entre otros; a manera de homenaje póstumo la del reconocido curador de origen dominicano, quien radicaba en México, Príamo Lozada.

Por último, baste decir que una de las directrices del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas del Instituto Nacional de Bellas Artes ha sido la investigación documental, por lo cual es importante hacer hincapié en la ardua y exhaustiva labor de búsqueda, recopilación y sistematización del videoarte en México que este proyecto requirió, lo que además derivó en la conformación del fondo documental Videoastas mexicanos, columna vertebral de este libro.

[1] Véase Tekhné 1.0. Arte pensamiento y tecnología, México, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Centro Nacional de las Artes, 2004.

PIONEROS DEL VIDEOARTE

Décadas de 1960 y 1970

Con la toma directa, la transmisión en tiempo real, el flujo constante de electricidad y el poder hipnótico de la imagen electrónica se fue constituyendo un régimen predominante de visibilidad. Al mundo de los pioneros del videoarte, el de los años sesenta del siglo XX, le antecedieron grandes transformaciones de toda índole: político-económicas y socio-culturales, derivadas de la internacionalización del capital producto de la segunda Guerra Mundial. Figuras políticas como John F. Kennedy y Nikita Kruschov, líderes sociales como el pastor evangélico Martin Luther King o el guerrillero Ernesto Che Guevara, así como los movimientos revolucionarios en general del entonces llamado tercer mundo, le otorgan una asignatura especial a ese periodo. En estas décadas se produjeron diversas experimentaciones artísticas que fueron simiente de tendencias actuales.

Asimismo, por aquella época convergieron la disolución paulatina de la modernidad y el advenimiento de nuevas etapas, como la de los avances en la electrónica, cibernética y alta tecnología que nos evocan a los primeros satélites de comunicación y a la carrera de la conquista del espacio con el alunizaje del Apolo II en 1969.

Por otra parte, la aceleración de la investigación científico-tecnológica en los países más desarrollados que desembocó en la sofisticada progresión digital de nuestra época, también nos conecta con la intersección de las tecnologías de la imagen y la percepción de la realidad.

En el contexto cultural de esos años, diversas influencias se distinguen en la práctica videográfica de los pioneros. En el plano ideológico las teorías de Marshall McLuhan, Herbert Marcuse y Theodor W. Adorno; así como las ideas de sociólogos, psicólogos, economistas y filósofos neomarxistas de la Escuela de Francfort.

Con todo esto, los pioneros del videoarte desarrollaron una actitud reflexiva sobre comportamientos de la sociedad postindustrial, de consumo, de los medios y de la información; centrándose en la alienación del medio televisivo comercial con la intención de participar en un proceso de auténtica liberación y en la construcción de una sociedad democrática. Para Peter Krieger: “Los activistas del video lucharon contra el poder político e institucional de los 70, pero sobre todo contra del poder mediático de la televisión y lo hicieron con sus mismas armas, utilizando una tecnología y unos canales hasta entonces privativos del poder”.[2]

Michael Shamberg y Raindance Corporation publicaron en 1971 Guerrilla Televisión, libro representativo de estos activistas que se expresaron a través de eventos performáticos y documentales políticos. Estos colectivos de carácter subversivo que se dieron tanto en Europa como en Estados Unidos (Raindance, Ant Farm, Tellton, Video Freex. TVTV, Video Heads, Telewissen, TVx y Video Non) se fueron diluyendo dadas las limitaciones de la tecnología que empleaban, el escaso patrocinio para la producción y presentación del video de creación y como medio alternativo. El carácter contracultural, experimental y transgresor, así como la influencia de estos grupos, fueron anulados por la voraz competencia de las corporaciones en el mundo de la comunicación. Lo interesante es que desde etapas tempranas se planteó un cambio en el medio televisivo con relación al espectador pasivo por parte de los videoastas, para reconfigurar el vínculo artista-obra y receptor. Desde sus inicios, como lo expresa Peter Krieger, [3] el videoarte parece ser concebido para su recepción fragmentada.

En el campo artístico, toda una serie de precedentes, como la profunda transformación provocada por el dadaísmo y sus neos, suscitaron indignación por desmitificar al arte y sus instituciones, las actitudes anarquistas y las manifestaciones antiarte de Fluxus; la música experimental de John Cage, la danza moderna, los happenings, espacios lúdicos, arte de acción y el nuevo realismo, se tornaron también consustanciales al videoarte, expresión artística de componentes híbridos.

En relación con las tendencias tecnológicas de los años sesenta del siglo XX, el video pasó a ser un medio más accesible económicamente que el cine. Por ello, como parte de las propuestas desmaterializadoras y antiobjetuales, el videoarte se fue consolidando como un medio con instrumentos y sistemas simbólicos propios.

Aun cuando el video es un medio relacionado con el monitor, los trabajos de artistas pioneros como Bill Viola, Bruce Nauman, Tony Oursler, Shigeto Kubota y el mismo Nam June Paik, por citar algunos, demostraron que se puede transgredir los márgenes de la pantalla, cambiar modelos perceptivos y conceptualizar representaciones complejas de diversos tipos de imágenes visuales, auditivas y mentales, en un arte de reflexión que no pretende sólo la contemplación sino que es un arte para ser vivido.

Otra vertiente en la producción videoartística de ese periodo fue la exploración subjetiva del cuerpo y el espacio desde un campo fenomenológico, además de un amplio espectro sobre otros aspectos del medio ambiente, del movimiento, efectos de visión y de luz. En centros independientes surgieron proyectos de video, como el laboratorio de imágenes electrónicas The Kitchen, creado en Nueva York en 1971 por los artistas Woody y Steyna Vasulka, Bill Etra y Dimitri Devyatkin.

La importancia de esta expresión artística en el ámbito internacional se ha ido incrementando desde esos años; por ejemplo, en 1972 en la quinta Documenta de Kassel se propuso la importante selección de videoarte; dos años después, durante el Project 74 en Colonia se otorgaron varias salas para las instalaciones de video y en Francia se presentó la exposición Art video confrontation 74, y así sucesivamente hasta los festivales actuales. Asimismo, como lo menciona Betsabeé Romero en su tesis El videoarte y las artes plásticas, el Museo de Essen creó la primera videoteca europea seguida por la nueva galería de Berlín.[4]

A lo largo de estas dos décadas, la gramática del videoarte representó una ruptura con el lenguaje de la televisión, modificó su sintaxis, cambió la lógica de narración lineal por una complejidad sígnica y una experimentación perceptiva.

En el mundo

Como primer antecedente del videoarte, el artista alemán Wolf Vostell empleó en 1958 el aparato televisivo en una propuesta artística que abrió el campo a la videoescultura. Con una fuerte influencia dadaísta, manifiesta en una estética de la destrucción, provoca al espectador en los eventos o acciones que realiza. Manipula, fragmenta y distorsiona las imágenes televisivas; sepulta, dispara y envuelve televisores en alambres de espinos: transforma esta tecnología en símbolo de un tipo de sociedad. Con sus decollage/hapenning, establece analogías entre la aniquilación de los materiales y de las condiciones de vida humana a través de una aguda crítica a su época.

Desde los inicios de esta expresión artística, el videoarte europeo tiende a la reflexión profunda de las formas de vida, en tanto que el estadunidense se inclina por una crítica hacia el desquiciamiento de los signos que genera la producción y el consumo irracional característicos del capitalismo.

Nam June Paik

Corea, 1932

Este artista coreano formado en Japón, Alemania y Estados Unidos es una de las figuras precursoras más emblemáticas del videoarte. Sus vivencias a partir de la dictadura militar que se asoció con las fuerzas estadunidenses en la Corea del Sur de la posguerra, acontecimiento que afectó a su familia y le condujo al exilio, marcaron desde el inicio su constante y reflexivo cuestionamiento hacia los dispositivos del poder. En este mismo sentido encuentra en George Maciunas, y su movimiento artístico-político Fluxus, el radicalismo necesario para confrontar al sistema imperante.

Nam June Paik, quien fue discípulo de Karlhing Stockausen y John Cage, ofreció en Alemania, en la galería Parnass, la primera demostración pública de esta expresión artística, a través de un concierto de música aleatoria e interactiva, y con trece televisores preparados para tal efecto creó un video abstracto y musical. El crítico francés Jean Paul Fargier expresó que Paik había inventado la televisión abstracta.

Después se trasladó a Japón y, en Tokio, continuó con la manipulación de imágenes televisuales en colaboración con los ingenieros expertos en electrónica Hideo Uchida y Shuya Abe. En 1965, nuevamente concibió una obra electrónica utilizando un video portátil, el cual pudo adquirir gracias a una beca que le concedió la fundación Rockefeller. En Nueva York, grabó desde un taxi la visita del papa Pablo VI a la Catedral de San Patricio y mostró las escenas tomadas en el café A Go Gó de Blecker Street en Greenwich Village. Este evento, conocido como Electronic Video Recorder, formó parte de las actividades Monday Night Letter que organizaron Robert Watts y George Brecht, miembros de Fluxus.

En sus inicios, la investigación artística del video respondía a una actitud social crítica. Paik creó imágenes novedosas que ya no provenían de las emisoras de televisión, ni pretendían representar en forma mimética la realidad; mediante la manipulación de los impulsos del sincronismo, lo que podría, desde el punto de vista técnico, ser una falla, avería o ruido, era interpretado por el artista coreano como otra forma de crear la imagen electrónica. A través de una combinación de imágenes reales y manipuladas, y de sonidos de diversa índole presentados con un ritmo vertiginoso, hay una ampliación de la experiencia estética, una reorganización espacial por intervalos de la obra y un manejo de desplazamientos temporales. “Paik mostró como hacer música con el cuerpo, mezcló la instalación con el performance, el arte con la televisión, la música con la imagen.” [5]

Su obra más importante, Global Groove, verdadero homenaje a Mc Luhan en relación con sus teorías sobre las tecnologías de la comunicación y la aldea global, fue emitida por primera vez en Nueva York en 1984, en la que el performance TV Cello de Charlotte Moorman es uno de los pasajes más elaborados. Ahí la artista no sólo está dentro de la televisión sino que tiene la televisión sobre su cuerpo. Esta sensación de epidermis entre acciones humanas y la tecnología es como tejidos invisibles que unen el arte con percepciones y vivencias.

En México

Los efectos políticos, culturales y artísticos del paradigmático año de 1968 trascendieron en la década siguiente en el ámbito mundial. Por esos años, el video y otras formas de arte electrónico plantearon maneras de representación no convencionales. En México, el arte correo, el uso del mimeógrafo y la fotocopiadora, el surgimiento de Los Grupos, entre otras propuestas, se orientaron principalmente hacia el discurso social y político para impulsar el desarrollo de un arte alternativo. Muy pronto las prácticas videoartísticas rebasaron los limites de la pantalla y configuraron el campo de la exploración espacial y sensorial que dió como resultado un nuevo tipo de espectador.

En los años sesenta y setenta del siglo XX, los equipos portátiles, el formato de 16 milímetros y el video proporcionaron a los artistas pioneros de este género una sensación de libertad para crear. La cámara y el monitor se convirtieron en un mediador entre el espacio interno y el externo. El interés que el video de creación despertó en varios e importantes exponentes de esta vertiente artística tanto en Europa como en Estados Unidos, en México contó con una representante primera: Pola Weiss.

En 1973, el Museo de Arte Moderno del Instituto Nacional de Bellas Artes realizó la primera muestra Video Art. Nueva Estética Visual, en la que en veinte monitores se proyectaron las cintas de grupos de California, Chicago y Nueva York. Este evento fue auspiciado por la Embajada de Estados Unidos.

En 1977, en el Museo de Arte Carrillo Gil, México fue el anfitrión del IX Encuentro Internacional, I Nacional de Videoarte. Participaron videoastas nacionales como Jorge Glusberg, Miguel Erehnberg y Pola Weiss; los extranjeros Nam June Paik, Shigueto Kubota, Roger Welche, John Baldessari, Allan Kaprow, Les Levine, Amerigo Marras y algunos artistas sudamericanos.

En 1978 Andrea Di Castro, Humberto Jardón y Cecilio Balthazar crearon Intervalo ritual en la Casa del Lago de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Emplearon un monitor como símbolo de ofrenda.

En este mismo año el Museo de Arte Carrillo Gil fue la sede de la exposición Testimonios de Latinoamérica. Comunicaciones visuales alternativas, evento en el que el artista visual Carlos-Blas Galindo presentó la obra Tres proposiciones para instalaciones video.

Pola Weiss

México, 1947

Pionera del videoarte mexicano, inició su exploración artística en la década de 1970. Concibió este género como el arte de las sensaciones presentes. Para dedicarse al video partió de su propio y amplio espectro como pintora, fotógrafa, bailarina y egresada de la licenciatura en Periodismo y Comunicación Colectiva de la UNAM en 1975. Viajó a Europa para investigar sobre el telearte y se autodenominó teleasta. Entre los recursos técnicos que figuran en su obra están wipe (cortinillas de transición), el chroma key —que consiste en grabar la imagen deseada en una pantalla azul para insertar imágenes dentro de otras— y las saturaciones de color, efectos con los que descubrió una forma de lenguaje visual para narrar sus estados emocionales. Entre sus obras destacan Flor cósmica (1977), Cuetzalán y yo (1979), Exoego (1981), El eclipse (1982), Inertia (1989), por citar algunas.

En Mi corazón, de 1986, una de sus obras más interesantes con una duración de 10 minutos, representa la memoria visual de los terremotos de 1985, relacionándolos con tragedias personales.

Al subjetivar en sus videos un concepto de cómo interpretar lo autobiográfico, no podemos establecer linealidad alguna; sin embargo, sus imágenes conforman todo un lenguaje en el que ella se devela. Federico Luna, compositor, músico y productor de discos, musicalizó la mayor parte de la obra de Pola Weiss.

Pola Weiss • Mi corazón

Ulises Carrión

México, 1941

Radicado en Amsterdam desde 1970 hasta su muerte en 1989, este artista[6] a través de la edición de libros, radio, video y filmes, se interesó por explorar el ámbito del lenguaje artístico como un sistema complejo. Creador interdisciplinario que estudió literatura y filosofía en México, París y Leeds. En 1975 abrió, en el Herengracht de Amsterdam, el Others Books and So, centro que impulsó tendencias alternativas renovadoras de esa época como el mailart, los libros de artista, performance y experimentos de video y sonido. Mediante el arte conceptual se interesó por sistemas de comunicación independientes y autónomos, como la creación de un arte correo muy singular, el E.A.M.I.S. ( Erratic Art Mail International System o Sistema Internacional de Arte Correo Errático). Su obra constituyó una estrategia crítica de la estructura socioeconómica.

Fue un artista visionario a quien el Museo de Arte Carrillo Gil rindió homenaje en 2002 con la exposición Ulises Carrión. ¿Mundos personales o estrategias culturales? Martha Hellión, ha documentado ampliamente su trayectoria.

Ulises Carrión • Bookworks Revisited

[2] www.Interzona.org/baigori/textos/futuro.htm.

[3] Peter Krieger, “Revolución y colonialismo en las artes visuales, el paradigma de la documentación”, Revista Universidad de México, núm. 617, México, noviembre de 2002, p. 90.

[4] Betsabeé Romero González, El video y las artes plásticas, tesis de maestría en artes visuales, Escuela Nacional de Artes Plásticas, 1987

[5] Moreno Rivadeneyra, Mendoza Durán y Tovar Valenzuela, Vanguardias artísticas y video art, México, UAM Xochimilco, 1994.

[6] Véase Sebastián López, “Ulises Carrión: una traducción”, Curare, núm. 9 otoño 1996, México, pp. 49-51.

VIDEOASTAS DE LA DÉCADA DE 1980

La heterodoxia artística de los años ochenta benefició al videoarte con una mayor accesibilidad a cámaras de video, la introducción del formato VHS, nuevas posibilidades electrónicas de posproducción, innovadoras propuestas formales y la convergencia de la experimentación en el cine y en el video. Los profundos cambios sociales que se gestaron en las décadas anteriores, se agudizaron en ésta; el capital se reorganizó produciéndose un salto cuántico en lo científico y tecnológico, y en el videoarte, como en otras expresiones denominadas “alternativas”, se respondió a una condición individualista en que predominó un discurso introspectivo, autobiográfico y autorreferencial.

El artista del video se expresa de una manera íntima con la cámara como único espectador. Con una actitud de acción y registro de autoscopia, se explora cada vez más la importancia del espacio fuera del monitor y la imbricación con otras prácticas artísticas. En el panorama internacional esta tendencia prevaleció en la obra de varios artistas, entre los que cabe mencionar a dos destacados exponentes: Bill Viola, quien se abocó a la intensidad emocional con el uso de primeros planos y la manipulación temporal, y Gary Hill, cuya experimentación sobre el lenguaje se orientó a la comunicación y a la intersubjetividad.

La transición del video de fuerte tinte político a uno más personal generó una exploración más despreocupada de los recursos visuales de este medio.

En México

Un año clave para el desarrollo del video fue 1985, sobre todo a partir de los terremotos que afectaron a la ciudad de México. La gente empezaba a agruparse y a dar a conocer pequeñas empresas independientes como Macondo Cine Video, Tiempo Nuevo, Tripas y Corazón, entre otros. En un contexto nacional de conflictos estudiantiles y postelectorales adquirió especial importancia el video político y documental,[7] a diferencia del que se producía en Europa y Estados Unidos que iba perdiendo el carácter social que tuvo en un comienzo.

En los años ochenta se perfilaron varios caminos para el videoarte mexicano: se incorporó más a los planes de estudio de las escuelas de comunicación que de arte y se empezó a difundir a través de muestras y festivales. Para 1986 se presentó la primera Muestra de Videofilme, organizada por Rafael Corkidi en colaboración con Francis García, Miguel Báez, Adriana Portillo y Redes Cine Video, en una sala acondicionada para este fin en la librería El Ágora. Este evento favoreció el intercambio de ideas entre realizadores independientes, pues eran complicadas las vías de difusión y exhibición para esta expresión estética. Este es el primer antecedente de las Bienales. Para la expresión en video han sido importantes las Bienales de Poesía Visual y Experimental que se iniciaron en México desde 1985.

En 1987, Gregorio Rocha, Sarah Minter y Andrea Di Castro empezaron a trabajar en una serie de proyectos y exploraron el lenguaje videográfico. En este periodo los videoastas se orientaron a una definición del medio, a crear los cimientos y a una diversificación en géneros e híbridos. Juan José Díaz Infante ha denominado esta etapa como la de “los independientes”.

En esos años se agravó la crisis en la cinematografía nacional y disminuyó el apoyo de la producción estatal. La independiente contó con apenas 32 filmes registrados en el sexenio del presidente Miguel de la Madrid Hurtado. Por tales motivos algunos realizadores optaron por la tecnología del video. En contraposición a todo lo anterior hubo un incremento en el videohome comercial.

Por último, con el desplazamiento del soporte químico-fotográfico del cine hacia la cinta magnética, la aparición de las cámaras High 8 y el comienzo de los sistemas digitales de edición, se abrió todo un potencial para la evolución de la imagen en movimiento durante la siguiente década y hasta el momento actual.

Andrea Di Castro

Italia, 1953

De origen italiano, ha radicado en nuestro país desde 1966. Estudió Ingeniería en la Universidad Nacional Autónoma de México y, de forma autodidacta, fotografía, cine y video. Desde los años setenta ha participado en diversas actividades culturales y estéticas como algunos actos artísticos con el No-Grupo, en el happening Intervalo ritual, en la exposición y videoevento Cuerpo-idea —ambos en la Casa del Lago—, entre otros.

Para Di Castro, uno es parte del espacio-tiempo capturado por el video y son muchas las implicaciones que estas imágenes inmateriales provocan en el espectador. En 1989 creó Imagia, empresa que le ha permitido ser productor independiente. A lo largo de su trayectoria artística ha ido incursionando en las nuevas tecnologías digitales. Fundó y dirigió el Centro Multimedia del Consejo Nacional para la Cultura y las Artes en el Centro Nacional de las Artes de 1993 a 2001. En 1996 ganó la beca de la Fundación Rockefeller, con la cual produjo el programa interactivo Pantopone Rose , en el que interpretó la vida y obra del escritor estadunidense William S. Burroughs.

Con las tecnologías de GPS ha desarrollado diferentes experimentaciones: Ojo de liebre (2002), Las líneas del tiempo (2005), que consta de trece programas de treinta minutos de duración cada uno, y N 26°39’ W 103°44’ (2005). Por medio de estos trazos derivados de tecnologías digitales, establece relaciones entre las escalas macro y micro que revelan una fractalidad, así como la de la dimensión humana con la de su entorno geográfico y arquitectónico. Con una amplia experiencia en la docencia, producción y promoción del arte electrónico, ha expuesto tanto en México como en el extranjero.

Andrea Di Castro • Pantopon Rose

Rafael Corkidi

México, 1930

Inició su trayectoria artística en la década de 1950 como director y fotógrafo de noticieros culturales y cortometrajes documentales. Adquirió un estilo personal reconocible a lo largo de sus producciones, cuyas temáticas abordan lo erótico, religioso y político con gran fuerza crítica. De la narrativa de Juan Rulfo adaptó en 1960 uno de sus cuentos para producir El despojo de Antonio Reynosa.

En los años setenta se introdujo en el cine industrial como camarógrafo de Alejandro Jodoroswki. Poco tiempo después, formado como cineasta, realizó los filmes Ángeles y querubines (1972), Auandar Anapu, el que llegó del cielo (1974), Pafnucio Santo (1976) y Deseos (1977). En los años ochenta, con la crisis de la industria cinematográfica en nuestro país, pasó a ser un incisivo promotor y productor del videoarte. Impulsó la creación de videosalas, organizó el primer Festival de Videofilm en 1986 y trabajó con el grupo Redes Cine Video.

Para este realizador es mucho lo que resta por experimentar con la tecnología del video. De su amplia videografía encontramos Figuras de la pasión (1984), Las Lupitas (1985), Relatos (1986), Murmullos (1990), Forjadores (1990), Rulfo Aeternum (1991), Pasajeros de Luvina (1993), Urbano y Natalia (1993), Imagen y canto (1994), Testimonios apócrifos del siglo XX (1995) y Mi querida Benita (1996).

Reconocido nacional e internacionalmente, fue ganador del Premio Coral de La Habana y primer lugar en la categoría de ficción de la segunda Bienal de Video en México en 1992.

César Lizárraga Corona

Estudió la carrera de Ciencias de la Comunicación en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Se inscribió en la materia de Sociología de la comunicación que impartía Pola Weiss; más tarde fue su asistente. Conoció a Alberto Roblest durante ese tiempo de formación universitaria y ambos se interesaron por una búsqueda plástica a través del video. En 1988 crearon el colectivo Video Dos, cuyo objetivo estético fue realizar poesía visual. Permitieron al público hacer su propia videopoesía en forma interactiva.

En 1998 Lizárraga hizo el video Nací en 1900 y, en ese mismo año, con Roblest produjo Visual Poetry, una grabación de ocho performances de este último.

Sarah Minter

México, 1953

Inició su relación con las imágenes en movimiento a principios de la década de 1980. Realizó algunos cortometrajes en Súper 8 y más tarde cortometrajes y mediometrajes en 16 milímetros, en su mayoría en colaboración con Gregorio Rocha. En 1981 adquirió su primer equipo de video en formato “tres cuartos” y desde ese momento empezó a experimentar con este nuevo medio.

Varias de sus obras han recibido premios y se han exhibido en festivales internacionales y nacionales, así como en diversos museos, galerías y universidades en América Latina, Estados Unidos y Europa, principalmente; destacan las exhibiciones realizadas en el MoMA, Nueva York, y en el Festival Internacional de Cine y Video de La Habana.

Ha sido jurado, curadora, docente, conferencista y promotora del videoarte en México; su interpretación de la vida urbana y su incursión en el documental ficción da voz a aquellos que no están representados por los medios. Dos de sus trabajos más relevantes son Nadie es inocente (1987) y Alma punk (1991-1992).

En su exposición Intervalos exhibida en la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana en 2005, entrelaza tiempo y memoria en la subjetivación de una interioridad. Minter se adentra en la ruptura de la narración lineal y traspasa la técnica del cine al video, el cual considera como un catalizador de varios medios.

Sarah Minter • Nadie es inocente

Alberto Roblest

México, 1962

En sus inicios realizó películas en 8 y 16 milímetros. Siendo estudiante de la carrera de Ciencias de la Comunicación laboró como asistente de Pola Weiss, en la Facultad de Ciencias Políticas y Sociales de la UNAM. Ella fue quien lo introdujo en el lenguaje del video experimental.

Entre sus múltiples intereses ha incursionado en la videopoesía, videoinstalación, videoperformance y actualmente cuenta con una extensa videografía: Collage, poesía visual (1987), Pedro Mártir (1990), La gallina del monitor (1993), Asesinato en masa o para matar a la TV (1993), Mexican Portrait (1996), From the silence in the cities (2001), Panoptikon (2003), Ella luna (2004), La chica que va y regresa (2006), entre otras. Fue por un tiempo catedrático de la facultad en la que estudió.

En 1994 editó la revista Visión Múltiple, primera publicación sobre video independiente que duró hasta 1995, y fue presidente de la Asociación de Videoastas Independientes A. C. Su obra se ha expuesto en el Festival der Nationen en Austria, el Cin(e)-Poetry Film and Video Festival en San Francisco, Los Angeles Latino Film Festival, The Bronx Film and Video Festival, The Boston Underground Film Festival, la cuarta Bienal de Video en México, el Festival Mundial do Minuto Brasil, la Deuxieme Manifestation Internationale du Video en Montreal, el Not Still Festival en Nueva York, el San Antonio Cine Festival en Texas, en Colectivo de Arte Experimental Sploratus y en Video Fest. 2K6.[8] Ha vivido en Boston, Nueva York y Washington, desempeñándose como traductor, maestro, curador, editor y camarógrafo.

Alberto Roblest • Visual Poetry

Gregorio Rocha

México, 1953

Estudió en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM. Se ha desempeñado como fotógrafo profesional, camarógrafo de diversos documentales para instituciones como la UNICEF, el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes, Univisión, Deutsche Welle y otras agencias privadas.

Como realizador independiente ha impulsado la difusión del video, es fundador y presidente de Productores Independientes de Video A. C. Ha realizado proyectos tanto nacionales como extranjeros en la empresa Gregorio Rocha & Sarah Minter. De su videografía destaca: Videoroad (1984),Tijuana entre dos mundos (1986), Historia de la fotografía en México (1989), El ferrocarril a Utopía (1994) y De placazos, vírgenes y tatuajes (1995).

En el cine, como curador, productor e investigador de su historia, ha desarrollado una importante labor de rescate documental, como se denota en su trabajo Los rollos perdidos de Pancho Villa (2003). Asimismo, ha sido docente en el Centro de Capacitación Cinematográfica de la ciudad de México y en la New York University. Cuenta con varios reconocimientos y su obra se ha exhibido tanto en México como en Canadá, Estados Unidos y Francia.

[7] Véase Emilio Ávila Jiménez, Felipe León López, et al., El video en México, México, Grupo Editorial Interlínea, SEP/CETE, 1996.

[8] Véase Alberto Roblest, retrospectiva, en http://alexandroroque.blogspot.com/

2006/11/alberto-roblest-retrospectiva.htm.

VIDEOASTAS DE LA DÉCADA DE 1990

En esta época el videoarte fue favorecido por el proceso globalizador en las macrorregiones económicas, pues las sociedades capitalistas del llamado primer mundo, altamente tecnologizadas desarrollaron grandes e importantes centros de arte electrónico. En Alemania se inauguró, en 1996, el Centro Ars Electrónica de Linz y, en 1997, el ZKM Center for Art and Media de Karlsruche, ambos de gran importancia para la experimentación en este tipo de creación.

En los años noventa aumentó la exhibición de videoesculturas y videoinstalaciones en los museos, que comenzaron a comprar piezas de video monocanal como obras originales, además adquirieron trabajos de autores de los años setenta y ochenta como Bill Viola, Gary Hill o Stand Douglas, y de artistas jóvenes que comenzaron a formar parte de las colecciones museísticas.

En el panorama internacional esta manifestación artística se legitimó a través de diversos circuitos como galerías y museos, ferias y festivales como el de Venecia y la Documenta de Kassel. Asimismo, cabe destacar la importante actividad desplegada por artistas como Pipiloti Rits. Lo analógico y lo digital se integraron en la producción de videoarte y cada vez se habló más de artistas del arte electrónico, de artistas interdisciplinarios, que de videoartistas en específico.

En México

En 1990 Rafael Corkidi organizó la primera Bienal de Video apoyado por el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes en las instalaciones de TV UNAM. Cada vez se hicieron más evidentes las diferencias entre video y televisión. A partir de 1991 el Museo de Arte Carrillo Gil creó un área específica para video y organizó ciclos, conferencias, mesas redondas y dio apoyo a proyectos videográficos.

La segunda Bienal de Video se realizó en 1992 con las modalidades de documental, experimental, videoarte, promocionales, Quinto Centenario, ficción, videoclip y ecología; los videoastas grabaron en formatos semiprofesionales, pero se adecuaron a las restricciones de los mismos siendo propositivos. Dos años más tarde, en la tercera Bienal de Video, la convocatoria fue muy amplia y se extendió a varias sedes en la ciudad de México y otros estados. Hubo foros, mesas de reflexión, así como una muestra internacional de video y televisión cultural y una serie para radio y televisión sobre el video. Al margen de esta muestra se realizó otro evento denominado Contrabienal como protesta. También en 1994 el Centro Cultural de Arte Contemporáneo exhibió videoinstalaciones de los artistas Bruce Nauman y Bill Viola.

En 1995 la revista Visión Múltiple organizó el encuentro Premier’s 95 en la Cineteca Nacional, en donde quince videoastas mexicanos presentaron sus trabajos documentales, de animación y experimentales. Esta misma publicación cubrió el tercer Encuentro Callejero de Video que se llevó a cabo en abril. Un año después fue premiada la obra de Florisa Calderón como mejor video de búsqueda en la categoría de ficción durante el tercer Festival Internacional de Video Erótico convocado por la Universidad del Claustro de Sor Juana y el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes. La experiencia artística del video erótico y sus manifestaciones sensuales basadas en imágenes y sonidos ha sido tema de artistas como Sarah Minter, Fernando Llanos, Rafael Corkidi, Silvia Gruner y Alejandro Valle. En cambio, la pornografía casi no ha sido explorada por los videoastas mexicanos salvo en algunas obras de Héctor Pacheco, Iván Edeza y en la exposición Peep show. Por ver no se paga, que se presentó en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes en 1999.

También en 1996, Video Faz en Art & Idea presentó la Muestra Internacional de Videoautorretratos reunidos por los curadores Rubén Gallo y Terence Gower. En este mismo año se llevó a cabo, en el Centro Nacional de la Artes, la cuarta Bienal de Video con los géneros ficción, experimental, videoarte, documental y videoclip. Asimismo, cabe mencionar el incremento de grupos con carácter independiente como La Panadería, que inició en ese año con un ciclo de cine y video. Otras propuestas interesantes de este tipo fueron la pionera videosala de Guadalajara, la sala cinco de la Cineteca Nacional y el cine club de la Biblioteca México.

En los años noventa el videoarte adquirió mayor legitimación y los jóvenes videoastas contaron con más apoyo. Un ejemplo de esto fue la exposición de fotos, video y multimedia Designata, que se llevó a cabo en el Centro Nacional de las

Artes en 1998, con trabajos de alumnos de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda coordinados por Humberto Chávez, Sarah Minter y Elena Castro. En ese mismo año el Museo Universitario del Chopo presentó la exposición Cambio intercambio artístico de Nueva York-México. En esta muestra de multimedia, pintura, escultura, instalación y video se exhibieron trabajos de Minerva Cuevas, Yoshua Okón y Luis Felipe Ortega.

En 1999 se llevó a cabo en el Centro Nacional de las Artes el Festival de Video y Artes Electrónicas Vid@rte, con las secciones de documental, ficción, videoclip publicitario, experimental y multimedia, organizado por el curador Príamo Lozada, quien además presentó muestras monográficas del francés Chris Marker, del brasileño Eder Santos y del belga Johan Grimoprez, así como muestras de algunos de los festivales más innovadores como el Impakt de Holanda, Video 2.0 de España, Pandemonium del Reino Unido, Transmediales de Alemania, Videoformes de Francia y Video Brasil. Además de los videoastas pioneros mexicanos, se exhibieron trabajos de Rafael Corkidi y Andrea Di Castro. En esta década la presencia femenina en la creación en video aumentó y destacaron artistas como Ximena Cuevas, Grace Quintanilla, Claudia Fernández, Minerva Cuevas, entre otras.

En México el arte electrónico cuenta ahora con más circuitos de creación y exhibición como el Laboratorio Arte Alameda, el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, el Centro Cultural España, la sala Ciberlounge del Museo Rufino Tamayo, el museo Ex Teresa Arte Actual, el Museo de Arte Carrillo Gil, Caja Negra del MUCA Campus y la Colección Jumex.

A través del video se narran y reflexionan temáticas como la violencia, la enfermedad, el SIDA, la política, la guerra, la discriminación a los pueblos indígenas, los conflictos migratorios, entre otras; desde los años ochenta del siglo XX en América Latina esta tecnología ha tenido un papel fundamental para el registro o testimonio de realidades sociales, como la del movimiento zapatista en Chiapas.

Francis Alÿs

Bélgica, 1959

Realizó estudios de Ingeniería en el Instituto de Arquitectura de Tournai, Bélgica, e Historia de la Arquitectura en el Instituto de Arquitectura de Venecia, Italia. Desde 1987 reside y labora en la ciudad de México. En su propuesta artística prevalece más el concepto que la producción de objetos. Un aspecto central de su trabajo es la documentación del proceso creativo. En su obra se expresa a través de diversas disciplinas y soportes: ha empleado video, fotografía, diapositivas, pintura, dibujo, instalación y performance.

En sus numerosas caminatas por las urbes, particularmente en las que ha realizado en la ciudad de México desde los años noventa, transformó este acto de pasear en una manera de ir significando el sentido de la realidad y la anécdota social cuando ambas se van imbricando. En esta otra forma de abordar el fenómeno artístico, el compromiso del artista paseante es político y ético ante lo que va develando.

De su obra en video figuran: Narcoturism (1996), registro del recorrido de Alÿs bajo la influencia de diferentes drogas durante siete días por la ciudad de Copenhague, Dinamarca; Cuentos patrióticos (1997), en colaboración con Rafael Ortega, en el que se establece cierta relación entre los borregos y los habitantes de la urbe, aludiendo a la pasividad política y al control religioso; Sleepers (1999) es una videoinstalación que se aboca a personas que viven en las calles de la ciudad de México, por citar algunos.

La marginalidad, el desecho y el reciclaje son algunas de las temáticas que preocupan a Alÿs, quien además reflexiona sobre la presencia y ausencia de la vida animal en el implacable contexto urbano. En una de sus acciones más conocidas, El colector (1991-1992), el artista va arrastrando por las calles un pequeño perro magnetizado, el cual queda cubierto de residuos. Como parte de sus intereses estéticos también reflexiona sobre lo verdadero y lo falso en la permanente construcción ficticia que es el arte, como se denota en The liar, the copy of the liar ( El mentiroso, la copia del mentiroso).

Por último, Alÿs ha participado en eventos como la Bienal de La Habana (1994), la Bienal de São Paulo (1998), VI y VII Bienal de Estambul (1999-2001), XLVIII y IL Bienal de Venecia (1999-2001), Bienal Iberoamericana de Lima Perú (2002) y Bienal de Sydney (2004). Su obra se ha expuesto en museos y galerías de Europa y América. En nuestro país su trayectoria ha sido reconocida en muestras individuales en el Museo de Arte Moderno (1997) y en el antiguo Colegio de San Ildefonso (2006); además ganó en Berlín el primer premio de arte Blue Orange.

Francis Alÿs • The Collector

Antonio Arango

México, 1964

Hizo la licenciatura en Diseño de Comunicación Gráfica en la Universidad Autónoma Metropolitana, además de realizar otros estudios de fotografía, cinematografía, cómic y realidad virtual. Ha montado diversos espectáculos como happenings, performance y multimedia. Obtuvo el segundo lugar y mención honorífica en el II y III Mes del Performance en Ex Teresa Arte Actual y el tercer lugar en la tercera Bienal de Video en la categoría experimental y videoarte. Becario del Fondo Nacional para la Cutlura y las Artes y director de la videorevista Glycerina, la cual abarca diversos géneros: ficción, animación, videoclip experimental y cortometrajes en cine. Se ha interesado por recopilar el trabajo del video mexicano y del realizado con el uso de la computadora.

Entre sus trabajos más importantes con medios digitales figuran Confesionario, kiosko interactivo mediante el cual explora el morbo y voyeurismo del espectador, obra que se presentó en la muestra Peep Show, por ver no se paga, en el Centro Multimedia en 1999. Asimismo, en otra pieza también interactiva, La otra cara del crimen, ironiza como se conforman los estereotipos de los criminales para reflexionar sobre ciertos prejuicios sociales.

Entre sus videos figuran Sen.T.I.Dos (1995), C++ (1994), Subterráneo I y II (1990) y Streamline 00, videoinstalación (1998-1999), entre otros. Su producción videográfica se ha exhibido en España, Estados Unidos, Canadá, Chile, Brasil y Argentina.

Manolo Arriola

México, 1973

Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. Formó parte de la primera generación del taller de Video impartido por Sarah Minter en esta sede escolar. Hizo una residencia en el Institut fur Bildenmedien ZKM en el Karlsrube, Alemania. Este artista interdisciplinario, quien se ha interesado por los medios electrónicos y digitales, se expresa principalmente en dibujo y video.

En el festival Vid@rte (1999) obtuvo el segundo lugar en la categoría de video experimental y el premio a la mejor edición por su obra Paseo catódico, video de corte conceptual en el que interpreta el proceso de producción de las imágenes televisivas. Un año después fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes dentro del programa Jóvenes Creadores.

En su obra, Arriola contrasta dualidades y se interesa por el sentido de la pieza de arte abierta, en la que cada receptor construye una creación diferente. Asimismo, mediante el concepto de instalación, le interesa integrar la idea de un espacio expandido tanto en pintura como en video. De su producción cabe destacar la muestra Silver Salt City, en la que emplea como soporte la luz neón, así como de su videografía Juego diferido, Malgré tout y Fliker, entre otras. Particularmente con estas dos últimas obras aborda formas extremas de agresión a través de una fantasía erótica de humillación y escenas de violencia en América Latina.

Sus videos y videoinstalaciones se han presentado en el MUCA Campus y Roma, en el Museo de Arte Carrillo Gil, en el Centro Nacional de las Artes, en el Centro de la Imagen, en Ex Teresa Arte Actual y en Yucatán. En el extranjero se han proyectado en Videoformes (2000) Clermont-Ferrand, Francia; Medi@terra (2000) Atenas, Grecia; Videobrasil (2001) São Paulo, Brasil, y Medien Kunstaus Lateinmerika (2002) Haus der Kulturender Welt, Berlín, Alemania.

Artemio

México, 1976

Se formó en el Centro Artesanal Independencia en el Distrito Federal, con los profesores Juan Manuel Salazar del Taller libre de pintura y paisaje y Jesús Mayagoytia de Escultura en metal; en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM y en el Experimental Workshop Parsons School of Design de Nueva York. Participó en el colectivo La Panadería. En el desarrollo de su obra se ha interesado por tratar lo apócrifo, con cierto humor e ironía en su interpretación. Asimismo, ha explorado la apropiación y reinterpretación fílmica en películas como Rambo, Gladiador y Apocalipsis ahora. Su obra se ha exhibido en México, Estados Unidos y algunos países de Europa.

Eusebio Bañuelos

México, 1969

Egresado de la Escuela Nacional de Artes Plásticas, cuenta con una residencia artística en la Universidad Politécnica de Valencia, España (1994), y ha sido becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en 1997 y 1999. Artista visual y curador, ha participado en varios proyectos artísticos y culturales; desde 2002 es investigador y coordinador del Taller de Imágenes en Movimiento del Centro Multimedia en el Centro Nacional de las Artes.

Se ha expresado a través de gráfica tradicional, pintura y soportes digitales. Entre sus ejes de creación vincula procesos visuales y sonoros; además reflexiona sobre las temáticas de acumulación y saturación. En su video About destaca otra de sus líneas temáticas: la crítica a la manipulación mediática e informativa, como ocurrió en el atentado del 11 de septiembre de 2001 y la posterior guerra de Estados Unidos en Afganistán. Para Bañuelos, arte y política no se deslindan. Su obra se ha exhibido en varios museos de México y en países como Brasil, Perú, Kenia, España, Francia y Estados Unidos.

Miguel Calderón

México, 1971

Estudió en el Art Institute de San Francisco, California. Es un artista interdisciplinario cuya producción incluye instalación, pintura, cine, música y video. Forma parte del grupo musical Intestino Grueso. Cofundador del espacio alternativo La Panadería, ha expuesto en museos nacionales y extranjeros, bienales y festivales como la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCO (1999); Mexperimental Cinema, Guggenheim Museum, Nueva York (1999), y la Bienal de Sherjah, en Emiratos Árabes Unidos.

En 2004 participó en la 26 Bienal de São Paulo con la videoinstalación México vs. Brasil, en la que ironiza sobre el imaginario futbolístico de nuestro país. Su obra se caracteriza por la interpretación aguda y mordaz de la cultura urbana y mediática, así como las relaciones de poder que en éstas se generan. Entre sus videos se encuentran Hipocondríaco (1997), Joven entusiasta (1999) y Los pasos del enemigo (2006), entre otros.

En 2006 participó con la obra La evolución del hombre (1995), en la muestra Los Ángeles/México, heterogeneidad y complejidad, exhibida en la Galería de la Colección Jumex.

Héctor Domenico Capello

México, 1962

Para este creador el videoarte se ha ido incorporando a las nuevas tecnologías, por lo que muchos artistas que se iniciaron en el video ahora exploran nuevas formas electrónicas; no obstante, sostiene, aún falta definir su sitio en el panorama de las artes, dado que el mercado define lo que es considerado vanguardia.

La Sala del Deseo del Centro de la Imagen presentó en 2005 una retrospectiva de su producción de 1990 a 2004, en la cual se incluyeron sus 18 piezas de videoarte experimental. La evolución artística de Capello se dio en forma paralela a los avances electrónicos. Su obra se ha expuesto en México y en el extranjero.

Arcángel Constantini

México, 1970

Estudió Diseño Gráfico en la Universidad del Nuevo Mundo y animación en Cracovia, Polonia. Este polifacético artista ha sido uno de los pioneros en el uso de Internet con fines creativos, además emplea como recursos expresivos la fotografía, la gráfica digital y el video. Desde el inicio de su trayectoria como creador participó en iniciativas del colectivo No-such-org (antes Hell.com). Laboró como director artístico y realizador de televisión entre 1993-1998, y ha sido curador de exhibiciones de arte en nuevos medios como en inmerso@cyberlunge en el Museo Rufino Tamayo.

Entre las becas y reconocimientos que ha obtenido figuran el primer Premio en Vid@rte (1999), beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (2000), Premio de Bronce en Art on the Net Competition de Tokio (1999), Premio del Jurado en Interferences de Francia (2000) y Beca Rockefeller (2000).

En su obra hay una marcada influencia del cómic, la lucha libre, los videojuegos, la pornografía y la música electrónica. Es un coleccionista de tecnología postuso y crea piezas de arte electrónico con marcada factura digital.

Entre sus propuestas artísticas destacan Atari-noise, obra en la que hackeó una antigua consola de video y la convirtió en un teclado generador de patrones de ruido audiovisual; Bacteria.org es una interfaz digital de interacción en tiempo real, mediante un cultivo de bacterias en cinco entornos virtuales diferentes que infectan por medio de efectos sonoros el proceso mental del usuario; Spark-un-plug, proyecto que promueve el uso consciente de la energía; Semiscope, un simulador eletromecánico de imágenes en movimiento que funciona a partir de los principios elementales del cine, y La habitación del ruido, en la que documentó en video las actividades y ruidos que por la madrugada se producen en el mercado El Salao en Santa Martha Acatitla, Distrito Federal: para ello empleó la visión nocturna infrarroja y la iluminación proveniente de una lámpara sorda. Cuenta con diversos proyectos en línea: www.unosyunosceros.com, www.hell.com y www.no-such.com.

Ha expuesto en democompetitions en Finlandia, Dinamarca, Bélgica, Hungría, Eslovaquia y República Checa; sus trabajos se han exhibido en importantes festivales europeos.

Arcángel Constantini • Spark-un-plug

Minerva Cuevas

México, 1975

Realizó la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Desde el inicio de su trayectoria artística incursionó en el video y la instalación; ha empleado medios electrónicos como Internet y radio, además de impresos, en su labor de activista social. En sus obras se ha enfocado hacia una crítica a la economía de mercado, a la identidad corporativa y a diversas prácticas capitalistas producto de la globalización.

Con un sentido subversivo, en 1998 emprendió la singular empresa Mejor Vida Corp, con oficina en la Torre Latinoamericana de la ciudad de México. Su objetivo fue ofrecer una serie de servicios gratuitos de índole ficticia como estrategia para construir algunos mecanismos de control social. Utilizando imágenes corporativas alusivas a la cuenta denominada El libretón del Banco Bilbao Vizcaya el Museo Rufino Tamayo presentó esta propuesta en 2000.

Otros dos proyectos son MVComunicaciones y MVCBiotecnología. En esta misma línea de experimentación manipuló el logotipo de una reconocida compañía de telefonía celular y diseñó una nueva versión a la que llamó Telefónica Colonisar. La artista cuenta con una página en Internet: www.irational.org/mvc.

Ha expuesto individualmente en Van Abbemusen, Eindhoven (2008); Phenomena, Kunsthalle Basel (2007); On Society MC Kunst, Los Ángeles (2007); Le Grand Café-Centre d’art contemporain, Francia (2007); Reconstrucción, Casa del Lago, México (2006); Schwarzfahrer Are My Heroes, DAAD, Berlín (2004), entre otros. Colectivamente su obra se ha presentado en países como Francia, Brasil, Polonia, Canadá, Turquía y Londres. Actualmente vive y trabaja en Berlín.

Entre sus videos figuran Video-fly (1996), Hi8, 9.14 min.; Look at me (1997), video Hi8, 10.45 min.; Playing William S. Tell (actúa de ser necesario) (1997), video Hi8, 7.39 min., y Concierto para Lavapiés, un trabajo en video documental y fotografía realizado en Madrid.

Ximena Cuevas

México, 1963

Es una de las principales videoastas mexicanas, estudió en The New School for Social Research y en la Universidad de Columbia en Nueva York. Aunque se inició muy joven en el cine, a partir de 1991 decidió dedicarse al video. Sus trabajos han sido presentados en diversos festivales, entre ellos el Festival de Cine de Nueva York. Ha sido distinguida como miembro del Sistema Nacional de Creadores, obtuvo una beca de Eastman Kodak para productores independientes de cine y otra de la Fundación Rockefeller-Mc Arthur.

En 1993 ganó el Tatú de Oro de video durante la XX Jornada Internacional de Cinema Bahía, en Brasil, con el videoclip Corazón sangrante. Entre su videografía se encuentran: Las 3 muertes de Lupe (1984), Noche de paz (1989), Un dios para Cordelia (1995), Cama (1998), Marca registrada (2001), Turistas (2001-2002) y Planetario (2002).

Sus propuestas tienen por eje los límites de la realidad y la ficción. En Cinépolis, la capital del cine representa la vida como si estuviera dentro de una película. Marca registrada es una videoinstalación en la que reflexiona sobre lo inaccesible que resultan para la mayoría de la población los objetos que se exhiben en las vitrinas. En El diablo en la piel, de 1998, mediante el uso del producto Vick Vaporub, en un melodrama doméstico, representa una trasgresión del sujeto a través de la piel. En su trabajo busca ir develando, entre las apariencias y mentiras, una realidad otra.

Ximena Cuevas • El diablo en la piel

Juan José Díaz Infante

México, 1961

Estudió en Santa Bárbara, California, donde obtuvo el grado Bachelor of Arts. Se gradúo como fotógrafo profesional con especialidad en fotografía publicitaria y audiovisual en el Brooks Institute of Photography en 1982. Entre otras facetas es videoasta, curador, performancero, instalacionista y poeta.

Fundó, con Arturo Márquez y Ángel Cosmos, el grupo interdisciplinario Música de Cámara en la década de 1980. Ha editado revistas y libros objeto, productos multimedia y el sitio de Internet Altamiracave. Su obra electrónica Puente abierto es considerada como la primera en versión html en México. Por otra parte, ha sido asesor de creatividad, comunicaciones y mercadotecnia para varias empresas y organizaciones.

Con motivo de la muestra The Box Video Independiente Mexicano (oXPVIM) 95 realizó un registro bastante representativo de esta expresión artística para la galería Oboro de Montreal, Canadá. Entre sus videos figuran Simplemente atrapados (1990), Dreams and blonging (1993), Música de cámara (1994) y Tres historias (1995). Ha expuesto en exposiciones individuales y colectivas tanto en México como en el extranjero: Bienal de Venecia, Coloquio de Arte Electrónico Procontra en Moscú, mes internacional de la fotografía en Brasil, por citar algunos.

Iván Edeza

México, 1967

Egresado de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, es un artista visual que trabaja principalmente en video. En sus inicios experimentó con la fragmentación y collage de películas pornográficas para generar una relectura; también ha empleado el lenguaje videográfico para mostrar lo inestable del concepto de realidad, circunscribiéndose, por ejemplo, sólo a la parte desagradable de una habitación de hotel en uno de sus videos.

Becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en varias ocasiones, ha sido curador de medios electrónicos en el MUCA Roma y en la Caja Negra del MUCA Campus. Asimismo, ha impartido cursos en el taller de video de La Esmeralda, el Centro Multimedia y en la Universidad del Claustro de Sor Juana.

Desde 2005 coordina el área de proyectos artísticos en Casa Vecina, espacio cultural. Su obra se ha exhibido en diversos museos, galerías y festivales como Transmediale 04, Interferences Festival d’Arts Multimedios Urbains CICV y Transitio-MX, entre otros.

Héctor Falcón

México, 1973

Egresado de la licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda, además realizó estudios de diseño gráfico en la Universidad Intercontinental y de arte en la Kyoto University of Art and Design en Japón. En el Centro Nacional de las Artes de México cursó el taller de Instalación con el maestro Urs Jaeggi.

Este artista multidisciplinario ha recibido diversos premios y reconocimientos. Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el programa de Jóvenes Creadores (2001-2002); obtuvo el Premio de Adquisición, Sapporo International Print Bienale, en Japón, y la Mención Honorífica en el XVII Encuentro Nacional de Arte Joven, entre otros.

En 2007 participó en el proyecto In an Absolut World con la videoinstalación There is neither time and no space (No hay tiempo ni espacio ). Su obra forma parte de la Colección Absolut Vodka.

Ha participado en diversas exposiciones tanto en México como en el extranjero: en 2001 en Art Chicago, booth, Galería Enrique Guerrero, Chicago, Illinois; y en ARCO con la misma galería en Madrid; Mex Art Fest, Kyoto Art Center, Kioto (2002), entre otras. Asimismo, ha participado como conferencista, director de arte y diseño de producción y colaborador del periódico Reforma en la sección de cultura.

Cuenta con una producción videográfica muy diversa y su relación con el cuerpo es de experimentación; vincula sus propuestas artísticas con el campo de la medicina. En Metabolismo alterado (2000) transformó su cuerpo con esteroides y ejercicio cuestionando así ideales corporales de la actualidad; en Pain (2003) tatúo en su brazo esta palabra por medio de un herraje al rojo vivo; en Self (2006) empleó grasa de su propio cuerpo para rellenar las letras de esta palabra grabada en un cubo de madera, y en Centímetro cuadrado (2006) le implantan una pequeña porción de la piel de su barba en el hombro y viceversa.

Por otra parte, en un sentido más conceptual, se interesa por aspectos internos del cuerpo como el aliento, las lágrimas o las representaciones de órganos como el cerebro, obtenidos mediante resonancias y presentados en forma de hologramas como en Autorretrato íntimo.

Héctor Falcón • Grupo Reforma

Claudia Fernández

México, 1965

Egresada de la Facultad de Artes Plásticas del Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara y de la licenciatura en Artes Visuales de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Para Fernández cualquier lenguaje es válido si está bien manejado. Su producción artística abarca pintura, fotografía, instalación y video. Ha recibido el Premio de Adquisición en la tercera Bienal de Monterrey (1997) y en dos ocasiones se le ha otorgado la beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Entre sus videos destacan Mi vida es otra (2003), en el que transforma entornos comunes por imágenes de tipo caleidoscópico, y Estrellas (1998), metáfora de un cosmos doméstico. Ha expuesto en exposiciones colectivas en países como Estados Unidos, Canadá, Colombia, Brasil y España; de manera individual en el Museo de Monterrey y en el Palacio de Bellas Artes.

José Luis García Nava

México, 1969

Egresado de la Facultad de Ingeniería de la UNAM, se interesó por el arte electrónico desde 1989. Fue miembro fundador del Laboratorio de Inteligencia Artificial y Multimedia del Instituto de Ingeniería (1989-1991). Laboró en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes (1996-2003) y ha sido titular del Taller Multimedia de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda a partir de 2001, así como catedrático de la Universidad Autónoma del Estado de Morelos desde 2002.

En México, es uno de los pioneros de la incursión desde lo artístico en la realidad virtual e Internet. De sus propuestas destacan Arqueología electrodoméstica (1996) y Zona centro (1997); en video y animación: Autorretrato (2000) y Atractor K (2003), y en sistemas audiovisuales interactivos: Desorden químico (2005), obra en la que genera una interacción de lo audiovisual con la danza y la música; para este proyecto produjo los videos Viento, Partícula y Granular.

Ha impartido varios cursos y conferencias sobre medios digitales. Fue becario del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en dos ocasiones en Jóvenes Creadores (1997 y 2000). Su producción artística se ha expuesto tanto en México como en otros países. Participó en Transitio MX01 Festival Internacional de Artes Electrónicas y Video (2005).

José Luis García Nava • Partícula

Verena Grimm

México, 1971

Realizó estudios de Arte en la Escuela EINA en Barcelona. En 1995 recibió la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y en 1998 la beca para residencia en Banff Center for the Arts, Canadá. Fue curadora en Ex Teresa Arte Alternativo (1994-1995) y docente en varias universidades de Estados Unidos, en la Universidad de las Américas, Puebla, y en La Escuela Nacional de Pintura y Grabado. En 2005 coordinó la elaboración del plan de estudios para la nueva Escuela de Artes en Yucatán, de la cual fue directora.

Su obra es de carácter existencial, trata las condiciones limítrofes y de vulnerabilidad vinculadas con accidentes, enfermedad, locura y abandono. Como lo expresa Arcángel Constantini: “Verena Grimm genera un refinamiento de la estructura social al capturar personas realizando actividades que para ellos son cotidianas pero que ante el espectador se transforman en coreografías humanas”.[9]

Grimm se ha enfocado principalmente al video y a la videoinstalación. Entre sus obras destacan Midiendo mis pasos, videoinstalación organizada por tres proyecciones simultáneas, en las cuales desde un registro aéreo vemos las prácticas de los paramédicos de la Cruz Roja mexicana; Develando la urgencia, CD-ROM premiado en el X Canarias Media Fest (2002) en el que se aboca a los servicios de emergencia, y Trayecto sanatorio, en el que mediante el registro de un recorrido de esferas que van rebotando por los interiores de un hospital vemos inscritos en las mismas frases alusivas al cuidado de un paciente. Asimismo, realizó una instalación en la Fortaleza de San Juan de Ulúa, en las Celdas de la Media Luna con la intención de explorar las condiciones de aislamiento y pérdida. En Boca abajo muestra por medio del video una serie de viviendas rurales que fueron fumigadas para controlar la enfermedad de Chagas. En la producción artística de Verena Grimm las acciones sólo suceden y no las somete a la linealidad narrativa de principio y fin.

Silvia Gruner

México, 1959

Estudió la licenciatura en Artes Plásticas en la Betzabel Academy of Art and Design, Jerusalén, y la maestría en el Massachussets College of Art, Boston. Ha sido merecedora de varios premios y reconocimientos como la beca Rockefeller Mac Arthur Film Video Multimedia EUA (1999-2000) y becaria por tres ocasiones del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

En sus propuestas artísticas se ha expresado con distintos medios: escultura, dibujo, pintura, fotografía, cine, video, instalación y performance. Su obra ha sido connotada de diversas maneras; aunque enigmática y compleja no carece de humor. Confronta incesantemente dualidades y entre sus temáticas prevalecen la sexualidad, la temporalidad, la memoria, la ausencia y la identidad. Asimismo, tiene un carácter introspectivo, como en Away from you, videoinstalación realizada para el Laboratorio Arte Alameda, en la que con un sentido lúdico aborda la separación amorosa.

Las obras en cine y video de Silvia Gruner datan de 1986, cuando realizó en Súper 8 El pecado original, Desnudo desciende, Desnudo con alcatraces y Arena; en 1987, Canción gitana, El porque, Sin título; en 1988 Rito de iniciación con Magdalena Campos y Neil Leonard, Cada cosa toma su tiempo y Pregunta; El vuelo, de 1989, es un video de 18 minutos.

En la siguiente década figuran entre sus videos y videoinstalaciones Yo soy esa simetría (1991), Inventario (1994), El nacimiento de Venus (1995), Qué pesa más, ¿un kg de plumas o un kg de plomo? (1996), 500 kilos de impotencia (o posibilidad) (1998), Atravesar las grandes aguas. ¡Ventura! (1999) y Lazy Susan (2000).

Ha expuesto en varias ocasiones tanto en el país como en el extranjero. Participó en muestras y festivales como la segunda Bienal de Johannesburgo, Sudáfrica; Vancouver Art Gallery, Canadá; Bienal de Sidney, Australia; Insite 1994 y 2000 en San Diego, California; Frankfurter Kunstverein, Frankfurt, y Europalia 1993, Bélgica, entre otros.

Silvia Gruner • Arte, vida y contexto III

Enrique Jezik

Argentina, 1961

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes en Buenos Aires. Este reconocido escultor ha desarrollado una verdadera fascinación por los materiales, misma que se denota en sus acciones y videos. Jezik indaga en la realidad a través del arte mediante una acuciosa investigación temática y formal sobre asuntos relacionados con la violencia.

Emplea el video como forma de registro y explora la disolución en Paisaje (1998); la intervención en Arte in Situ. La torre de los vientos; los sistemas de vigilancia, control y poder en la videoinstalación Guardia (1999-2000), y sobre la relación con la represión y el castigo, presentó en la Feria Internacional México Arte Contemporáneo MACO (2006) una mesa de metal con cuatro sillas adaptadas para electrocutar a los comensales. En estas propuestas se pensaría en el discurso foucaultiano sobre el ejercicio del poder en relación con el sujeto.

Utilizó armas de fuego en proyectos videográficos como Diez tiros (2000), Estructura construida por albañiles y 200 cartuchos calibre 12 (2000) y La fiesta interminable (2001), entre otros. En estos trabajos trata temas como la represión social, el enfrentamiento cotidiano con los cuerpos represivos del poder y la alienación hacia este tipo de hostilidad. Asimismo, la guerra y la devastación como en las recientes intervenciones militares estadunidenses conforman sus ejes temáticos.

En la Meet Factory de Praga presentó en 2008 una intervención extrema con la demolición literal de la sala de exposiciones de la galería, aludiendo a procesos históricos de esta región.

Ha expuesto en México, donde reside desde 1990, y en el extranjero en varias muestras colectivas y en eventos como ARCO’99, I Bienal do Mercosul São Paulo, Brasil (2004) y “e-Fñux. Video rental” Portikus im Leinwandhous, Frankfurt, Alemania.

Enrique Jezik • Líneas de división

Fernando Llanos

México, 1974

Estudió la licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. Entre sus principales intereses figuran la relación del video e Internet y la representación a través del dibujo; sobre este último publicó el libro Cursi-agridulce, un diario/bitácora.

De sus propuestas más conocidas en el arte tecnológico destacan su producción de videomails, obras de corta duración que envía a Estados Unidos, Cuba, Brasil y México; su proyecto Trasmidiendo trazos, sobre lo que considera la historia no narrada del videoarte en línea y sus videos internacionales móviles en contextos urbanos: Vi Video, los cuales exhibe posteriormente en la red. Asimismo, ha sido freelance en la producción de cine, televisión y diseño gráfico. Coordinó además el área web del Festival Internacional de Video y Artes Electrónicas Vidarte (2001-2002).

Ha realizado curadurías, proyectos de difusión, presentaciones sonoras en directo, presentaciones de videos en línea, videoactos en vivo y también ha sido conferencista, jurado y docente. Sus videos han sido exhibidos en varios festivales como el de Viart, Caracas (1998); Transmediale, Berlín (2000); World Wide Video Festival, edición 19, Ámsterdam (2001); VIII Festival Nacional de Video Imagen en 5 minutos, Salvador de Bahía, Brasil (2003); Festival Off Loop ’04, FNAC L’Illa Barcelona (2004) y en el Festival de Artes Electrónicas y Video Transitio MX 2.0 (2005 y 2007), entre otros.

Para este creador, el arte en video y todo lo que se genera en la época actual, a partir de esta tecnología, ya sea en cinta magnética o en formatos digitales, implica una amplificación de la experiencia visual y sonora, sea artística o no.

Fernando Llanos • Videoman

Ricardo Nicolayevsky

México, 1961

Realizó estudios de cine en la New York University y asistió a clases de composición musical, armonía y musicología con Samuel Zyman (Escuela Julliard) y Daniel Bradshaw (The Music Center) en Estados Unidos. En 2003 fue becario del programa para arte en medios audiovisuales (Fundaciones Rockefeller y Ford). Ha sido conferencista, colaborador en diversas publicaciones literarias y compositor de música tanto para proyectos propios como de colegas.

A partir de su formación en cine, música y literatura, además de incursionar en fotografía, performance y cabaret, desde los años ochenta del siglo XX ha trabajado en Súper 8 y 16 milímetros, y posteriormente en video.

El retrato es uno de los temas que más ha explotado en cuanto a la complejidad psicológica de los sujetos y a su relación afectiva con los mismos. De su producción destaca Los Portraits, colección de retratos fílmicos que le ha válido numerosos premios; a través del videoperformance, la serie La vie parisienne o La privée d’un artiste inconnu; Still moving, una selección de videostills y retratos en movimiento que presentó en La Refaccionaria, y Retratos para un nuevo milenio (2005).

Pertenece a la primera generación de artistas del video en México. Su obra se ha expuesto en museos, galerías y festivales en países como México, Estados Unidos, Canadá, Brasil, España, Holanda, Alemania y Bélgica.

Ricardo Nicolayevsky • Videoarte (primera parte)

Yoshua Okón

México, 1970

Estudió en el SACI Escuela de Artes Plásticas en Florencia, Italia (1989-1990); la licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Concordia en Montreal, Canadá (1990-1993), y la maestría en Artes Visuales en la Universidad de California en Los Ángeles (2000-2002). Vive y labora en Estados Unidos.

Ha recibido varias becas y reconocimientos: Fullbright, beca de apoyo para estudios de posgrado en Estados Unidos; Programa de apoyo para estudios en el extranjero, Fonca (2000-2002); Jóvenes Creadores, Fonca (1999); Fideicomiso para la Cultura México/USA, Fundación Rockefeller, Fundación Cultural Bancomer y Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (1998). En 1994 fue cofundador del espacio independiente para la discusión y exhibición del arte contemporáneo La Panadería.

En sus videos y videoinstalaciones satiriza con agudeza y sentido crítico la corrupción y el abuso de poder, los estereotipos sociales de México y el papel de la institucionalidad en la producción estética. Le interesa el sujeto y su presente, así como la relación que hay entre la realidad y la ficción.

Entre sus obras figuran A propósito (1997), Chocorrol (1997), Carros de fuego (1998), Tragaverga (1998), Iluminati (1998), L’artiste mexicain (1998) y Oríllese a la orilla (2000), entre otras. Ha expuesto de forma individual principalmente en la Galería Enrique Guerrero en México y ha participado en varias exposiciones colectivas nacionales y en el extranjero; en 2005 en ARCO, Madrid.

Héctor Pacheco

Colaborador de la revista Glycerina y dibujante. Sus obras en video se han exhibido en muestras, festivales y museos de México, Sudamérica, Estados Unidos y Europa. Entre sus trabajos figuran Blancura incomparable, video porno; No digas que no pienso en ti, y Doce muertes violentas de artistas contemporáneos, registro/apología en video de simulación y violencia en látex, entre otros.

Grace Quintanilla Cobo

México, 1967

Realizó estudios de animación en el Edimburgo Film Workshop Trust y de posgrado en Arte Electrónico y Televisión en The School of Televisión and Electronic Imaging Duncan of Jordoustone College of Art de la Universidad de Dundee, Escocia.

En 1996, al regresar a México, obtuvo el segundo premio del primer Concurso Nacional de Televisión Cultural con la galardonada serie documental Aventurera; en ese mismo año, su video Mambo Queen consiguió el primer lugar en el concurso del Festival Reel to Real de Glasgow, Escocia. En 1997 obtuvo la beca de Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes para la realización de un CD-ROM interactivo titulado Viceversa, en el que mediante la no linealidad narra la vida de dos viejos artistas.

Como becaria de las Fundaciones Rockefeller y Macarthur, en 1999 participó en el VI Taller de Perfeccionamiento en el Uso de Internet y Multimedios, en San Carlos Bariloche, Argentina. En 2001 participó en el Interactive Screen Summit del Banff Center the Artes en Canadá, y a partir de 2003 forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Arte.

La dirección artística del segundo Festival Transitio-MX “Fronteras Nómadas” (2007) estuvo a su cargo, donde se reflexionó sobre el concepto de comunidad. Su obra se ha exhibido en festivales y otros foros tanto en México como en el extranjero.

Grace Quintanilla • Lapso

Alfredo Salomón

México, 1968

Estudió la licenciatura en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de las Américas, Puebla (1989-1994). En 1993, cuando conoció al videoasta Rafael Corkidi, su visión convencional del cine y la televisión, derivada de sus estudios en comunicación, fue trastocada por un nuevo escenario mental: el video.

Su incursión en el campo artístico se dio a través de distintos trayectos, al irse especializando en los medios digitales durante su estancia en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, lugar en el que paulatinamente obtuvo una visión más crítica del medio. Allí entró en contacto con expertos y artistas de las nuevas tecnologías como Bill Viola, Gerardo Suter, Derrick de Kerckhove, Manuel Gándara, Javier Covarrubias, Andrea Di Castro, Juan Carlos Rulfo y Ximena Cuevas, cuya influencia es evidente, pues desde entonces su trabajo es más introspectivo.

Entre otras de sus importantes facetas, ha sido miembro fundador de la posproductora de video Las perlas de la virgen de 1996 a 2000 y cofundador del movimiento y colectivo de video de artistas mexicanos TECH-Mex, el cual dirige hasta la fecha. El objetivo de este grupo es promover videoarte de calidad con un sustento conceptual sólido y con una manufactura a la altura de la tecnología en México. En la actualidad forma parte de los artistas interdisciplinarios que integran lenguajes artísticos y medios electrónicos e informáticos.

Desde sus primeras propuestas con videos lineales a la fecha, vemos como ha ido experimentando con los recursos digitales: interactividad, inmersión, simulación y robótica, entre otros. Ha expuesto en México y en el extranjero y sus propuestas artísticas han sido reconocidas en varios festivales de video en Canadá y Estados Unidos. De su producción figuran Videomorbo (1999), Justicia infinita (2003) y Hyperkinetic video machine (2005), entre otros

Para Alfredo Salomón el videoarte se redefinió cuando se hizo digital a partir de nociones como no linealidad, interacción y navegación, entre otras, y la imagen en movimiento se fue complejizando.

Alfredo Salomón • Justicia infinita

Teresa Serrano

México, 1936

Con una amplia trayectoria artística y desde un ámbito interdisciplinario, conceptualiza su obra a través de diversos medios: escultura, instalación, fotografía, cine y video. Entre sus temáticas trata las problemáticas de género, poder y las relaciones intersubjetivas, así como las prácticas culturales. Desde 1994 vive y trabaja tanto en la ciudad de México como en Nueva York.

Con una intención deconstructiva y reflexiva se ha interesado por el efecto que tiene el lenguaje televisivo en la conformación de la mirada masculina y femenina, producto de la cultura mediática actual. La exposición presentada por Laboratorio Arte Alameda, Formas de violencia, en la que se reunió obra audiovisual de 1997 a 2001, estuvo integrada por videoinstalaciones cuya temática se centra en los estereotipos femeninos y de género. Asimismo, en el video Control remoto los roles sociales y las relaciones familiares y de pareja se ven reflejadas desde una realidad ficticia. En la serie Mía (1998), mediante los recursos formales del género de la telenovela, aborda el acoso sexual y las relaciones de poder en el ámbito laboral.

En la obra de esta artista hay una gran influencia de la gramática cinematográfica. En su trabajo más reciente se acentúa su interés por la historia del cine y por géneros como el film noir y el thriller contemporáneo, como se denota en The Other Room (El otro cuarto) de 2002.

Teresa Serrano • Glass Ceiling

Raymundo Sesma

México, 1954

Realizó estudios de pintura, dibujo y litografía en el taller de Guadalupe Posada en México, en la Universidad de las Américas, Puebla, y en el Open Studio en Toronto, Canadá. Obtuvo becas tanto nacionales como extranjeras y ha sido miembro del Sistema Nacional de Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Este reconocido artista multidisciplinario vive y trabaja entre México y Milán desde 1980; es representado por las galerías Nina Menocal y el Lattuada Studio en las ciudades antes mencionadas. Ha expuesto en México y en diversos países como Suecia, Suiza, Bélgica, Yugoslavia, Dinamarca, Inglaterra, Japón, Canadá, Estados Unidos, entre otros; ha participado en diversos eventos como la Bienal de Venecia y la FIAC de París; algunas de sus obras forman parte de las colecciones del Museo Metropolitano de Nueva York y el Museo de Artes Gráficas Francisco Toledo, en Oaxaca. Asimismo, ha impartido talleres artísticos y es fundador de la asociación civil Advento, cuyo objetivo es la integración entre la labor del artesano y la del creador.

En cuanto a su experimentación plástica, arquitectónica y espacial ha intervenido, mediante el uso de colores y formas geométricas, espacios degradados en algunas urbes. Asimismo, entre sus intereses temáticos figuran la paz, la naturaleza, la comunidad, el aprovechamiento de los recursos y las problemáticas de la minusvalía o discapacidad. Sesma explora también en los lenguajes actuales como es el video integrado a ambientes.

En Festín en el Mictlán (1992), videoinstalación y happening, busca redefinir la tradición como algo vivo y dinámico; en Del inframundo. Iniciación a la Tierra (1991), videoambientación, interrelaciona el rito de la muerte con la destrucción incesante del ecosistema; en Epiphanía (1994), videoinstalación, aborda su visión crítica acerca de la violencia y del poder agresor y sus armamentos, y en el video Extremal unctionis mantiene como una constante su preocupación por la muerte en nuestro tiempo. En su obra, pasado y presente son igualmente importantes y por ello los va resignificando.

Santiago Sierra

España, 1966

Licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, amplió sus estudios con cursos en el Círculo de Bellas Artes en España (1989), en el Hochschule fur Bildende Kunste de Hamburgo, Alemania, (1989-1991), y como investigador en la Escuela de Posgrado de San Carlos, de la Universidad Nacional Autónoma de México (1995-1997).

La columna vertebral de su propuesta artística está constituida por una serie de acciones que ha documentado videográfica y fotográficamente en su proceso. Parte de la relación entre el tiempo que el trabajador es contratado y el dinero percibido como la forma común de valuarlo en el modo de producción capitalista. Su conceptualización en el campo artístico vincula al arte con las instancias socioeconómicas y políticas, en un ámbito pluridimensional como es el de las relaciones humanas.

La irracionalidad y deshumanización, propias de un voraz capitalismo, van generando un sistema de exclusión y muerte que el artista interpreta a través de los fenómenos de discriminación, inmigración, prostitución, pobreza y guerra contemporáneos. Con el uso de la pistola que lanza poliuretano sobre el cuerpo de las personas contratadas hace alusión a la violencia, represión y sometimiento que se establece en la relación laboral hacia las clases más desposeídas de la sociedad.

Este artista residente en México desde 1995, ha expuesto en museos, galerías y centros de arte de diversos países, como en el Pabellón Español de la 50 Bienal de Venecia en 2003.

Santiago Sierra • 250 cm Line Tattooed on 6 Paid People

Alejandro Valle

México, 1965

Psicólogo de profesión, realizó en forma complementaria estudios de teatro, cine y videoarte. Laboró de 1994 a 1997 como investigador de imágenes en movimiento en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, como parte del equipo fundador.

Ha ido alternando la realización de proyectos propios con colaboraciones en proyectos audiovisuales, participando como director, postproductor, animador, diseñador y guionista. Mediante el uso de las nuevas tecnologías ha construido mundos y personajes ficcionales.

En 1998 inició el proyecto de largometraje interactivo Historias del desencanto, el cual concluyó en 2005. Para esta realización, que narra una historia mística de amor, contó con el apoyo del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

Con Lorenza Manrique produjo el video Malinche: Oops! I did it again!, con el cual participaron en el X Festival Internacional de Fotografía Huesca Imagen en 2004, donde México figuró como país invitado. En este trabajo hicieron alusión al sometimiento y violencia que vive la mujer indígena,

Valle ha recibido reconocimiento en diversos festivales de video por sus obras Reflejos, Tres suspiros, Carta a Kafka, No oyes ladrar los perros y La arpía.

Alejandro Valle • Historias del desencanto

Otros realizadores

De los artistas que han realizado arte en video, Luis Barroso, Claudia Prado, Ricardo Pareyón, Alejandro Cantú, Ivón Fuentes, Neyerí Ávalos, Isabel Rojas, Iván Ávila Dueñas, Andrés Castañeda, Julia Barco y Rodrigo Loyola no nos fue posible recopilar suficiente información. Recomendamos se consulte la curricula vitems del catálogo Tech-Mex: http://www.tech-mex.org.

Asimismo, sólo contamos con algunas referencias documentales de los siguientes artistas: Elisa Lipkau, Carlos Salom, Laureana Toledo, Roberto de la Torre, Gabriela Galván, Donovan Soriano, Cecilia Navarro, Mauricio Alejo, Laura Carmona, Amanda Lemus y Amanda Gutiérrez; este material se localiza en el fondo documental Videoastas mexicanos del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas del Instituto Nacional de Bellas Artes.

[9] Sergio R. Blanco, “Despuntando: videoastas. Trastocan la realidad”, Reforma, México, D. F., 6 de agosto 2005.

VIDEOASTAS DEL SIGLO XXI

La tecnología del video forma parte de numerosas prácticas cotidianas (públicas y privadas) pues son diversos sus usos: videohome, video en red, video de circuito cerrado, videoclip, video comercial en el cine, en la publicidad y en la pornografía, por citar los más conocidos; a la vez que se ha privilegiado como medio audiovisual en varios ámbitos: educativo, científico, informativo, entre otros. Entrado el siglo XXI, la creciente tecnologización de las sociedades ha influido en la transformación del sujeto contemporáneo, exacerbando el individualismo, el hedonismo, el consumo irracional, las condiciones de aislamiento y la hegemonía de los procesos de digitalización. Además, la lógica digital, que estriba en la no linealidad, la interacción, la simulación, etcétera, modifica en este sujeto su sentido de verdad histórica, de objetualidad, de imparcialidad y de estabilidad como parámetros de una construcción tradicional: ahora predominan semblantes que no necesariamente tienen referentes espacio-temporales de causa y efecto.

En el videoarte actual la experimentación videoartística aún vincula medios analógicos y digitales, pero va inclinándose cada vez más por estos últimos, lo que ocasionará una mayor redefinición de esta expresión; incluso, con el tiempo, es probable que llegue a cambiar la forma de nominarla.

Las artes electrónicas, de las que forma parte el videoarte, tienen un carácter procesual y transdisciplinario: en ellas vemos cómo se relacionan campos como el artístico y el científico. A manera de ejemplo, en el panorama internacional, la videoinstalación Again & Again ( Una y otra vez), del artista alemán Bjorn Melhus, quien desde una reflexión ética-estética sobre la manipulación genética en el ser humano nos genera interrogantes.

Al tiempo que se amplían las búsquedas formales y conceptuales en los videoastas y artistas electrónicos, emerge un nuevo tipo de crítica política, económica y social, la cual es tema de propuestas como la de la artista iraní Shirin Neshat, cuyo interés por la mujer en la sociedad islámica es patente en los filmes y videos que ha realizado desde 1996. Otro caso es el del artista alemán Marcel Odenbach, quien en sus videos y videoinstalaciones se aboca a la identidad, al espacio cultural, político e histórico de África, en sus diversos rostros.

Entre las líneas reflexivas del videoarte continúan las temáticas subjetivas e introspectivas; sobre la memoria y la relación entre la realidad y la ficción. En un sentido prospectivo sobre esta tendencia artística, tendremos que apuntar hacia la especialización en el lenguaje digital, tanto para la producción de estas imágenes tecnológicas como en el campo teórico, desde donde curadores y críticos las abordan para configurar al sujeto y al público receptor del video analógico y digital.

En México

La tecnología digital ha permitido la coexistencia de cine, video e Internet. Los videoastas mexicanos del siglo XXI se formaron desde un inicio con los softwares y códigos informáticos: conceptualizan sus obras desde esta lógica y desde este lenguaje. Una clara hibridación marca el panorama de esta primera década de la actual centuria: lo visual y lo sonoro cobran igual importancia en el arte electrónico.

En relación con el video, dos eventos realizados en el año 2000 lo incluyeron entre sus propuestas: Momenta. Arte electrónico en el Centro Nacional de las Artes y el Festival Internacional de Arte Contemporáneo Insite 2000 en San Diego/Tijuana.

Por su parte, el Laboratorio Arte Alameda exhibió desde marzo de 2001 Ni dios lo quiera, video inspirado en el juego con el que los surrealistas creaban “cadáveres exquisitos”. Este proyecto independiente estuvo a cargo de Fabián Castro, Grace Quintanilla, Paulina del Paso, Ivón Fuentes, Ximena Cuevas, Iván Ávila, Alfredo Salomón, Felipe Gómez, Mariana Miranda, Alejandro Valle, Andrés Villalobos, Alejandro Cantú y Elías Levín. Asimismo, entre los meses de abril a julio del mismo año, este museo presentó dos muestras internacionales: Eder Santos: tres maneras de jugar con la eternidad y Takahito Iimura: video, cine e instalación, ambas bajo la curaduría de Príamo Lozada.

En junio de 2001 el Museo de Arte Carrillo Gil inauguró la exposición colectiva Videoescultura en Alemania desde 1963, muestra que incluyó una selección de videoesculturas y obras sobre papel producidas de 1963 a 1994. La capacidad expresiva y conceptual de esta tendencia artística quedó manifiesta en esta selección.

En abril de ese año el museo Ex Teresa Arte Actual exhibió el programa de video Latinos del Norte. Arte actual y alternativo de la ciudad de Québec. El Centro Cultural del Bosque presentó durante el mes de octubre el evento Arte 01, el cual incluyó ciclos de video.

Al iniciar 2002, en enero, se llevó a cabo el primer Simposio Internacional de Teoría sobre Arte Contemporáneo, cuyo curador para esa ocasión fue Ery Cámara. Este foro anual de discusión es de gran importancia para el arte actual de México. En este año, el Laboratorio Arte Alameda difundió un ciclo sobre la figura seminal del videoarte, Nam June Paik, así como una selección de videos del artista estadunidense Les Leveque.

Del 27 de agosto al 7 de septiembre de 2002 se llevó a cabo el Festival Internacional de Video y Artes Electrónicas, en el Palacio Postal, el Palacio de Bellas Artes y el Centro Nacional de las Artes. En este evento se presentó un homenaje al videoasta Bill Viola así como muestras de África, Asia y Europa Oriental. Además, en esta emisión se convocó a artistas del continente americano con el fin de dar a conocer los alcances en este género artístico y en multimedia. A partir de la fuerte polémica que se suscitó durante la planeación de este evento y en su presentación se hicieron evidentes muchas de las problemáticas que este gremio de artistas ha ido enfrentando.

Al finalizar el año, el museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo presentó las exposiciones Mirar es mejor que sentirte, bajo la curaduría de la artista estadunidense Astría Suparak, quien presentó una selección de videos feministas, y Todos somos pecadores. Arte nórdico contemporáneo.

En 2003 se presentaron en el Laboratorio Arte Alameda las exposiciones Away from you de Silvia Gruner y Midiendo mis pasos de Verena Grimm; en el Museo de Arte Carrillo Gil se exhibió Videos mala onda, el curador fue Gonzalo Ortega; y en el World Trade Center se llevó a cabo la Muestra 2: Feria de Arte Contemporáneo.

La política cultural siguió privilegiando un marco global. El Laboratorio Arte Alameda presentó un ciclo de video sobre Bruce Nauman; el Centro Nacional de las Artes y el Museo de Arte Carrillo Gil exhibieron obras de Joan Jonas, una de las pioneras más importantes del videoarte; en el antiguo Colegio de San Ildefonso se inauguraron las exposiciones Edén, muestra de arte contemporáneo, y Peter Campus: ver y ser visto, y el museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo presentó Electric Earth, cine y video de Gran Bretaña.

En 2004 el Laboratorio Arte Alameda presentó una selección de obras del XIV Festival Internacional de Arte Electrónico Videobrasil. Este mismo museo, junto con el Centro Cultural España y la Sala de Arte Público Siqueiros, exhibieron obras del artista conceptualista español Antoni Muntadas, quien en sus propuestas utiliza y combina serigrafía, fotografía, video, impresiones digitales, instalaciones multimedia e incluso Internet. El museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo presentó Una larga historia con muchos nudos. Fluxus en Alemania 1962-1994 a cargo de los curadores René Block, Carola Bodenmuller y Gabriele Knapstein.

En cuanto a los videoastas mexicanos, el Centro Cultural España promovió la exposición Uno. Dos. Tres. Por mí y por todos mis compañeros, el Cine Club de la Biblioteca de las Artes del Centro Nacional de las Artes dedicó un ciclo para la videorevista Glycerina y se inauguró la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, en la que se exhibió la exposición Intervalos de Sarah Minter.

En 2005 el museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo presentó Videoarte contemporáneo de Berlín y se llevaron a cabo los festivales Video Fest. 2K4 y ARCO ’05 XXIV edición, en Madrid. En este último México participó como invitado de honor; la muestra fue seleccionada por Príamo Lozada y Taiyana Pimentel.

El Festival Transitio MX01. Imaginarios en tránsito: poéticas y tecnologías, cuya dirección artística estuvo a cargo de Iván Abreu, contó con la participación de miembros de la comunidad artística como Elías Levín, Juan José Díaz Infante, José Luis Barrios y Rodrigo Sigal en el consejo directivo y de planeación. La intención fue producir sentido y densidad estética al campo del arte electrónico.

En junio de 2006 la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda presentó la muestra colectiva Video-Exe: lo digital y su codificación del mundo. Ese mismo año, en el rubro del documental, se llevó a cabo el VIII Festival Internacional de Cine y Video de los Pueblos Indígenas, en Oaxaca. En 2007 se celebró el primer Encuentro Nacional de Videoastas Indígenas, que se realizó en el contexto del Festival Cumbre de Tajín.

En abril de 2007 se inauguró en el Laboratorio Arte Alameda la muestra colectiva de arte electrónico Intersticio, en la que participaron los videoastas Ximena Cuevas y Alfredo Salomón. No obstante, predominó en este museo la difusión de videos del mundo con exposiciones sobre la edición XVI del Festival Videobrasil; obra de Peter D’Agostino y cuarenta años de videoarte de herencia digital: Videoarte en Alemania 1963-2004, esta última se llevó a cabo junto con el museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo. Entre los encuentros de este año cabe citar el Festival de Arte Sonoro y Electrónico Tempo, realizado por el Centro de Arte y Nuevas Tecnologías en San Luis Potosí, y la segunda edición de Transitio MX02. Fronteras Nómadas, el cual se orientó hacia la reflexión sobre el concepto de comunidad. La dirección artística estuvo a cargo de Grace Quintanilla.

Por otro lado, Internet se está convirtiendo para los videoastas en una opción importante de difusión de su trabajo. Publicaciones electrónicas como Arteven.com, dirigida por el artista visual Hugo Kiehnle, son espacios que ofrecen video, pintura y fotografía.

Entre las exposiciones que incluyeron video como parte o eje de sus propuestas curatoriales durante 2008 figuran Las implicaciones de la imagen, en el MUCA Campus; México/New York/París, en el Centro Cultural Estación Indianilla; ALEA Programa y Estrategia e Imágenes multimedia de un mundo complejo. Visiones de ambos lados del Atlántico, ambas en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes, y Se permuta, a cargo del museo Ex Teresa Arte Actual, el cual proyectó videos de México y de diversos países en varias plataformas, como un puesto ambulante, la ventana de un edificio en el Centro Histórico dentro de un cohete-simulador, en el Sistema de Transporte Colectivo Metro y en la web . Este mismo museo inauguró en junio de 2009 una sala especial para la exhibición de video que lleva el nombre del fallecido artista Melquiades Herrera.

Los videoastas mexicanos desde sus inicios de esta expresión artística han enfrentado un sinfín de obstáculos, por lo que no se cuenta con una visión de conjunto. En México gente de cine, de comunicación, artistas plásticos, entre otras disciplinas, son quienes han incursionado por diversas razones en la experimentación videográfica. Es hasta fechas más recientes que los artistas de esta tendencia realizan una exploración directa y a partir del lenguaje del video, lo cual no es excluyente de toda experiencia anterior pues se ha logrado una mayor delimitación del propio campo. Por otra parte, el esfuerzo de los videoastas por crear un público, la difusión del video en bienales, festivales, museos en el ámbito nacional y la participación de artistas mexicanos en muestras internacionales, así como su presencia en espacios alternativos o independientes, el apoyo a proyectos videográficos desde lo institucional, hacen que los procesos de producción, circulación y recepción del videoarte mexicano expandan sus posibilidades de creación.

En la actualidad, colectivos importantes de videoastas, como Tech-Mex o la Cooperativa de Arte en Video, permiten apreciar cómo se va ampliando el interés por participar en la producción de arte a través del video. Aparte de dependencias tecnológicas o conceptuales hacia centros de hegemonía en la cultura de Occidente, es importante valorar la experiencia interna, expresiva y propositiva de los propios productores del videoarte en México.

Una cultura de video que defina un lenguaje propio y que se integre a las nuevas tecnologías es el reto de los videoastas en este siglo XXI. Entre los mayores cambios que presentan los proyectos videográficos a nivel formal es la utilización de sistemas computacionales en la realización de los mismos. De hecho, ante el futuro de DVDRoms, Internet por cable o por fibra óptica de alta velocidad y de una nueva generación de software, seguramente habrá cambios para la expansión artística en video.

Carlos Amorales

México, 1970

Realizó estudios de arte en la Gerrit Rietvel Academy (1992-1995) y en la Rijksacademie van Buldende Kunsten (1996-1997); vive y trabaja en Ámsterdam. Este artista visual de proyección internacional es representado por las galerías Kurimanzutto de la ciudad de México y la Yvon Lambert en París. Su proyecto artístico ha sido incorporado en la Daros Latinoamericana Collections de Zurich y cuenta con la presentación en línea (www.lostcity.w/amorales).

Entre sus temas destacan la investigación sobre la identidad ficticia, la hibridación del arte y el espectáculo, el miedo y la amenaza en la sociedad contemporánea. Utiliza como recursos expresivos la gráfica, animación, video, performance e instalación; una parte importante de su producción es generada por computadora. Se le identifica en principio por su personaje enmascarado, el luchador Amorales. Le interesa el símbolo de la máscara y la lucha libre como un medio para participar en situaciones sociales. Ha presentado a su alter ego en Insite 2000, en el Tate Modern/Tate Británico, y sus performances con luchadores han sido vistos en los museos más importantes de Europa. En México, el Museo de Arte Carrillo Gil exhibió tres videos con relación a este tema: Amorales Interin, Arena dos de mayo y Solitario.

Entre otros de sus proyectos explora la industrialización actual, como con la maquiladora Flames, cuyo símbolo es el diablo. En este performance, en el que desarrolla la idea de una fábrica de zapatos, invita al público para que los produzca manualmente, lo que es inusual en Europa. En la galería Nina Menocal de la ciudad de México presentó la videoproyección Luisita Cleaning Bad Vibes, en la que una médium exorciza los espacios de la galería.

La muestra ¿Por qué temer al futuro? fue presentada por primera vez en la Casa de América en Madrid y en la feria ARCO 2005. En México se exhibió en el MUCA-CU. A partir del miedo provocado por los ataques al WTC neoyorquino, el acto terrorista le inspiró a reflexionar sobre la incertidumbre que priva en Occidente; juega con los límites entre ficción y realidad. Este proyecto reúne el repertorio visual que ha elaborado durante los últimos años. Archivo líquido cuenta con unas 428 imágenes obtenidas de Internet, stickers, papel tapiz o animaciones; Cuarto de lectura de naipes, El parque, Animación prueba de Rorschach y el video Dark mirror son las piezas que integran la exhibición.

Carlos Amorales es hijo de los artistas plásticos Rowena Morales y Carlos Aguirre.

Carlos Amorales • Dark Mirror

Marie-Christine Camus Joly

Francia, 1954

Estudió comunicación en l’Ecole Francaise d’ Attaches de Presse EFAP; maestría en Ciencias y Técnicas de la Comunicación en la Universidad París-Nord, en Francia, y cine en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México.

Al terminar sus estudios se insertó en el medio cinematográfico, donde adquirió experiencia en diferentes ramas para especializarse en dirección de fotografía y realización. Como directora de fotografía participó en múltiples producciones mexicanas y extranjeras, tanto en ficción como en documental. Colaboró en el canal cultural de televisión franco-alemán ARTE de 1988 a 2004. A partir de 1997, además de seguir su actividad profesional, inició su desarrollo como docente en seminarios, cursos y talleres. Asimismo, participó en la elaboración de programas y planes de estudio en relación a la enseñanza del videoarte en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda (2000-2007) y en la Escuela de Arte de Sinaloa (2008).

A la fecha se desempeña como investigadora, docente y asesora en video en el Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas. Entre sus videos figuran Diario (2002), Regeneración (2003), Cybercops (2004), Felicidad (2004), Hebras (2005) e Imagen memoria (2006). Ha recibido las becas de Educación por el Arte (2003) en el marco del Programa Nacional de Educación Artística y European Cultural Foundation; Mobility Fund “step beyond”, en apoyo al proyecto Viaje a la isla.

Sus videos se han exhibido en el Festival Vidarte (2002), en las segundas Jornadas de Antropología Visual Repercusiones y Resonancias, organizadas por la Escuela Nacional de Antropología e Historia (2006) y en las muestras México/New York/París en el Centro Cultural Estación Indianilla e Imágenes multimedia de un mundo complejo (2008) que se presentó simultáneamente en España, Argentina, Cuba y México.

Christine Camus • Regeneración

Alex Dorfsman

México, 1977

Este artista visual ha trabajado principalmente la fotografía y el video. Es coeditor del libro La Panadería (1994-2002). En su obra se ha interesado por los procesos de representación y abstracción de la realidad, así como por el contraste entre lo natural y lo artificial. Ha expuesto en México, Estados Unidos, Francia, Reino Unido y España, país donde participó en ARCO 2005.

Mónica Dower

Inglaterra, 1966

Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, e Historia del Arte en la Sorbonne de París (1989-1991). En 1994 ganó la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y viajó a Egipto. Cuatro años más tarde residió un tiempo en Nueva York, donde estudió video.

Esta multifacética artista nacionalizada mexicana trabaja principalmente la acuarela y el video, integrando en algunas de sus propuestas la instalación y el performance. Tanto en su pintura como en su producción videográfica, en la que figuran obras como Pájaros en la cabeza (2002), La llamada (2003), El beso (2004) y Mujeres flotantes (2006), centra su temática hacia lo femenino y lo subjetivo.

Ha expuesto en México, Alemania, Argentina, Croacia, España, Estados Unidos y Francia. Asimismo, ha sido acreedora de varios reconocimientos y distinciones en bienales y festivales; en 2008 realizó la curaduría de video y cine experimental México/New York/París en el Centro Cultural Estación Indianilla, y en ese mismo año, con Luis Rius Caso, realizaron la curaduría de la exposición internacional Imágenes multimedia de un mundo complejo. Visiones desde ambos lados del Atlántico.

Mónica Dower • Pájaros en la cabeza

Alejandra Echeverría Valverde

México, 1975

Licenciada en Artes Plásticas, estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda. En 1999 obtuvo el primer lugar en la sección de video experimental del Festival de Video y Artes Electrónicas Vid@rte con el video Yo no elegí este cuerpo, yo no soy este cuerpo; ese mismo año se le otorgó la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (1999-2000), con especialidad en medios alternativos. En 2000 recibió el premio al mejor videoclip y Premio Público por Tiene que salir en el Festival Universitario de Video Viart, en Caracas.

Entre sus videos figuran Tres videos perforados, Brincando el tomblin, La fuente, En la ducha Q-VA, coproducción con Fernando Llanos, Avioncito y ¿Qué te paso en la cara?

En 2000 participó en una muestra colectiva que se presentó en la galería Enrique Guerrero, con una selección de fotos (reconstruidas), y un año después, en ese mismo espacio, se exhibió su primera exposición individual con la serie fotográfica titulada Segundos. A través de la perforación-intervención, Echeverría reflexiona sobre la simultaneidad temporal en un mismo plano visual. Desde 1998 ha participado en varias exposiciones colectivas nacionales e internacionales.

Carolina Esparragoza Palacios

México, 1977

Estudió la licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda y cursos sobre animación. En su proceso de expresión visual ha trabajado con historieta, pintura en pequeño formato, animación, creación de objetos y con el híbrido video-instalación-acción. Como cineasta y artista alternativa incursionó en la animación digital con una pieza basada en el relato Todos tenemos la misma historia del dramaturgo Dario Fo.

En su video Sujeto morfológico trata el tema del sujeto feliz, en tanto que en su videoinstalación The laugh box se interesa por los diferentes tipos de risa en sus cualidades rítmicas. Ha participado en varios festivales como Vid@rte (1999), Mirarte (2000), The Fifth Annual Mad Cat Women’s International Film Festival (2001), entre otros.

Paulina del Paso

Inglaterra, 1973

Estudió en el Departamento de Televisión y Video de la Universidad de Guadalajara y en el Centro de Capacitación Cinematográfica, especializándose en realización. Ha sido becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en 1998-1999 y 2001-2002; obtuvo el primer lugar en la categoría experimental en el Festival Cuadro 2003 y mención honorífica en la cuarta Bienal de Video de la ciudad de México.

Mediante la imagen electrónica aborda temas de carácter social e íntimo. En la décima versión del Festival Internacional de Fotografía (2004) en Huesca, España, participó con Pedro Zulú González en el proyecto Pinche Malinche (8 historias de amor videográfico), del que fue curador Fernando Llanos.

Entre sus videos figuran En un abrir y cerrar de ojos (1999), El príncipe azul (2000), Ventana (2001), entre otros. La obra de esta joven videoasta y cineasta se ha expuesto en varias muestras y exposiciones colectivas, así como en festivales nacionales e internacionales.

Amaranta Sánchez Mejía

México, 1976

Estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda y una especialización en Multimedia en el Centro Multimedia del Centro Nacional de las Artes. Ha sido becaria del programa Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes durante los periodos 2001-2002 y 2004-2005; recibió el premio especial en el Festival de Cortometraje Cuadro 2003, por la serie Muerte voluntaria. Testimonios de..., y mención honorífica con el video Crema de noche en la primera Bienal de Artes Visuales de Yucatán.

El escape de lo urbano es una constante en la obra de esta artista plástica, videoasta y fotógrafa. Entre su videografía figuran Mujer de lujo (1999), Anatomía (2000), Nada (2001), Una banda color de rosa (2001), Deshielo manual (2002) y Máxima protección (2002). Ha expuesto en el Museo Universitario de Ciencias y Artes de Ciudad Universitaria, en galerías del Centro Nacional de las Artes y en el Festival Internacional Vid@rte 1999. En el ámbito internacional ha participado en Interferences Festival Internacional de Arte Multimedia (2001) en Francia; Medioarte, Alemania (2002), y Cinerama Rotterdam, Ámsterdam (2003), entre otros.

Sharon Toribio

México, 1975

Realizó estudios de medios audiovisuales en el Departamento de Televisión y Video de la Ciudad de Guadalajara. Ha sido becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y premiada con mención honorífica en el Festival Vid@rte 1999 y en el Festival Cine Sul, en Brasil. Entre sus trabajos figuran Cantora nocturna y ánima sola, video (1999), Damas de rojo, video (2002), Cita a las nueve, video (1997) y Juego de niñas, cortometraje (2007), entre otros. Asimismo, ha participado en cadáveres exquisitos y videoinstalaciones. Su obra se ha expuesto en México y en el extranjero.

Sharon Toribio • Las damas de rojo

Luis Emilio Valdés Rodríguez

México, 1982

Egresado de la licenciatura en Artes Plásticas de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado La Esmeralda; obtuvo las becas Jóvenes Creadores (2004) y Cisneros Fontanals Art Foundation (2008). Como recursos expresivos ha empleado principalmente el dibujo, la fotografía y el video. Interesado por temas de vivencias personales y de la sociedad contemporánea como la soledad, desilusión, alienación y violencia, en su producción videográfica figuran Video # 1 (2006), Bolivar 36 (2006), Vibujo y dideo, exposición organizada por Fernando Llanos, y La vida real # 2 (2008), de Emilio Valdés y Daniel Castro Duplex, Videos Palm (2003).

Valdés ha expuesto colectivamente desde 2003 en México, Francia, España, Noruega y Estados Unidos, entre otros países. Cuenta con algunas muestras individuales y su trabajo forma parte de la Colección Jumex y Habita en México, y de la Daros Foundation en Suiza.

Bruno Varela

México, 1971

Realizó estudios de Comunicación en la Universidad Autónoma Metropolitana. Se ha desarrollado como realizador de video, cuenta con trabajos en Súper 8 y se ha interesado cada vez más por la imagen electrónica. Parte de su producción la ha generado en Bolivia y en Oaxaca. De sus obras figuran Barrenador (2004), Pixxxelación (2004), Puntuación cromática (2005), Raspas (2006), Ofrenda oaxaqueña, Videograma (2006), Barriadas de calibración (2006) y Organismo Diccionario Audiovisual en Videoarte (2007), presentado en la muestra de Video Documental y Videoarte Mexicano, como parte de las actividades de la semana México en Barcelona, en la Casa América Cataluña. Su obra se ha expuesto también en México.

CONCLUSIÓN

Las sociedades contemporáneas, cada vez más dependientes de los avances de la tecnología, se han desplazado de las prácticas analógicas hacia las digitales, tal es el caso de la evolución histórica del videoarte.

Cuando nos adentramos en la era del código binario, se hace evidente la imperiosa necesidad de pensarlo no sólo en términos de una epistemología que sustente a este lenguaje sino que nos exige construir la ontología del universo digital, pues su estructura interna está relacionada con un cifrado y una descifración.

Siempre hemos abordado la noción del ser desde presupuestos analógicos identificando nuestro mundo mediante cantidades y cualidades. No obstante, de acuerdo con la tesis planteada por Manuel Centeno Bañuelos, quien analiza deconstructivamente lo digital ya no desde una filosofía del signo sino a través de la lógica del significante, el cual es cuantitativo (0,1), es decir, no posee ni sentido ni significado. Las cifras nada tienen de un sentido significado porque la cifra es efecto de lo que falta. En el orden diferencial está la lógica del significante y nada nos posibilita a elaborar una identidad más que el signo, por lo que Jacques Lacan y Sigmund Freud no prescindieron de él. Nuestra sensibilidad es de otro orden en el sistema binario. La catástrofe digital se anticipaba al mundo de los signos y esto se relaciona con una total y permanente angustia.

Una problemática del universo digital es que prescindimos del signo; el auténtico afecto que produce es la angustia tenida como una “falta” de objeto, que paradójicamente nos afecta. En el lenguaje binario el sujeto desaparece, al sujeto lo suponemos. En tanto que somos lenguaje buscamos mediante la invención conceptual y la invención de las fuentes constituir el sentido de un arte inmaterial.

El artista del video puede hacer diferir el espacio-tiempo de la representación, hacer emerger su deseo e irlo significando en la imagen en movimiento; en el actual video digital, dada la naturaleza del medio, incursionar en el inconsciente estructurado por significantes. El videoasta no cesa de narrar visualmente, tiempos lógicos y cronológicos, identificaciones que parten en principio de una dimensión sin lugar: el espacio de la pantalla e imágenes deyectadas.

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Baigorri, Laura, “Video y creación colectiva: azar y necesidad”, interzona@interzona.org.

Agradecimientos

Nos complace contribuir con un aporte más a la historia del videoarte en México. Por ello, damos las gracias a las personas e instituciones que nos permitieron la consulta y reproducción de materiales referentes a este tema: Cineteca Nacional, Museo Ex Teresa Arte Actual, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo Rufino Tamayo Arte Contemporáneo, Museo Universitario del Chopo, Museo Laboratorio Arte Alameda, Museo Universitario de Ciencias y Arte sede CU y sede Roma, Centro de la Imagen, Filmoteca de la UNAM, Tecnológico de Monterrey campus México y Biblioteca de las Artes, la que en su área de videoteca tiene en resguardo el acervo que era de la UPX.

De manera personal, damos las gracias a los videoastas Alfredo Salomón y Fernando Llanos por sus donaciones de material para nuestro acervo. Al maestro Manuel Centeno Bañuelos, por su asesoría en la reflexión de la praxis digital, y a las autoridades y área administrativa de nuestro centro, quienes nos otorgaron su apoyo y comprensión en todo momento.

Consejo Nacional para la Cultura y la Artes

Rafael Tovar y de Teresa

Presidente

Instituto Nacional de Bellas Artes

María Cristina García Cepeda

Directora general

Jorge Salvador Gutiérrez Vázquez

Subdirector general de Educación e Investigación Artísticas

Carlos Guevara Meza

Director del Centro Nacional de Investigación,

Documentación e Información de Artes Plásticas

Roberto Perea Cortés

Director de Difusión y Relaciones Públicas